Vestal , pintura de Arnold Böcklin

Siempre me impactó esta pintura, soy muy sensible a todo, y esta pintura me dijo tantas cosas, se llama Vestal y pertenece al pintor suizo Arnold Böcklin.

¿ Qué digo de ella ?. Que se trata de un retrato de una mujer apasionada , que se impone el silencio, el recato, que elige la clausura de su cuerpo ¿ Por qué ?. No se sabe. Es tan misteriosa, tan severa, parece una figura de una mujer del Islam.


Una vestal es una mujer dedicada a la devoción de un dios según tengo entendido en la literatura latina. Conservan el fuego sagrado y son vírgenes. Son elegidas , jóvenes , bellas y perfectas.


La autodisciplina, el celibato puede ser tan erótico como el Eros mismo. Esta pintura es de una belleza arrebatadora porque es inquietante, perturbadora y esa vestalidad no es celestial.

Romaine Brooks

Romaine Brooks fue una pintora nacida en Roma en 1874. Murió en 1970.

No es muy conocida quizás por lo que fue su preferencia sexual, era lesbiana y tuvo como parejas entre otras a la bailarina Ida Rubinstein y a la escritora Natalie Clifford Barney. Su pintura es de colores fríos en general, retratos especialmente de mujeres lesbianas, es una excelente dibujante.La androginia campea en el retrato, cada pintor escoge el material de desvelo para su obra, Brooks lo encontraba en las mujeres.Obvio, y más en esa época quienes compraban sus cuadros eran lesbianas. En tendencias artísticas se inclinó por los simbolistas y su arte tiene el sello de otro gran retratista James McNeill Whistler.

Si bien ´fue premiada con la medalla de la Legión de Honor por ayudar en la causa de la Primera Guerra Mundial con su arte debe haber sido difícil ser bien mirada, considerada, difundida siendo que era mujer, lesbiana y rica encima.


NO conocía sus pinturas , me gustaron todas. Utiliza mucho el gris, azul, negro, colores apagados, sus retratos en general son sombríos, tristes, rígidos...pero hermosos.


He aquí algunas de las obras de la artista:

Retrospectiva en Madrid sobre Pierre Bonnard: Pasión por el color.

En la Fundación Mapfre, en Madrid, se encuentra esta exposición sobre Pierre Bonnard: Hasta el 10 de enero de 2016.Ochenta dibujos, un medio centenar de fotografías y una docena de dibujos.

Pierre Bonnard (1867-1947), pintor, fotógrafo, ilustrador francés.Si hay algo que distingue a Bonnard es su lirismo, su vuelo en su arte, el encuentro entre poesía y pintura,la poética pictórica y fotográfica de Bonnard adhería al grupo de nabis ( profetas en Israel) "El grupo nació en 1888 y se llamaron los Nabis . Postulaban abandonar las bases tradicionales de la pintura: dibujo, modelado y claroscuro, color naturalista, ilusión espacial... , para llegar más allá de lo visible y representar verdades interiores. El grupo inicial lo formaban Bonnard, Vuillard , Maurice Denis, Sérusier y Maillol; las ideas de Gauguin las sintetizó Sérusier ,casi a su dictado, en el célebre Talismán ( fondo de caja de tabaco cubierto con manchas de intensos colores puros contrastados.)". Según la página asteroideazul283.


Tmabién formaron parte de los nabis: Odilon Redon, Félix Valloton, Puvis de Chavannes, etc.


" Los Nabis están relacionados con el simbolismo literario y se oponen al positivismo y naturalismo de la que su última manifestación fue el impresionismo, su visión se distancia de lo natural y se orientan de formas distintas.
Les gustan los símbolos y a todo lo que está “más allá”. No podemos decir de un estilo nabi que aglutine a todos sus seguidores, son un grupo ecléctico que hacen suyas las tradiciones en su pintura.
Representaron lo más innovador en París hasta la llegada del fauvismo en 1905." según el blog " El rincón de mis desvaríos "


El estilo nabi, aunque de corta duración, más o menos una década, tuvo una influencia decisiva sobre todo en Francia.No tuvo mayor difusión en el resto de Europa. Su contexto se movía entre el exotismo oriental, el ámbito burgués y doméstico y en una doble deformación de la realidad; una objetiva, deformaba la realidad visible y otra subjetiva, la deformaba en función de las emociones.DE "Periodistas en español .com ".

Bonnard también realiza/colabora con el vrstuario y escenografía de "Ubu Rey " de Alfred Jarry, obra mítica de la Patafísica. Ilustró libros, revistas como " La Revue Blanche "

Influencias: Paul Gauguin y el dibujo japonés

Estamos en el fin de siglo y comienzos del siguiente , y en ese mundo pictórico,artístico brilla una mujer Misia Godebska (también modelo de Pierre Bonnard) luego conocida como Misia Sert, y a la que le dedicaremos un post por su importancia en el mundo artístico de la época.


"Advierte Guy Cogeval, presidente del Museo d’Orsay, uno de los mayores especialistas en Bonnard y comisario de la exposición junto a Pablo Jiménez e Isabelle Cahn, que el pintor «convertía en jardín todo lo que tocaba». " Extracto del Diario "El Mundo " de España.

Las obras expuestas proceden de diversas colecciones públicas y privadas, como el Musée d’Orsay , el Centre Georges Pompidou, la Tate de Londres o el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Dalí en el Museo Reina Sofía

Dalí un genio. A todas luces lo es. Para muestra el Museo Reina Sofía de España le rinde homenaje en una exposición que ha convocado a infinidad de visitantes. No es para menos Dalí convoca ya sea a través de su vida extraña perfecta para el show o de su obra que es genial. Todo pasa por esta muestra: el surrealismo, el delirio, la fantasía, sus influencias fauvistas futuristas cubistas la vanguardia de eso se trata.La historia de una pintura y la historia de una vida y sus cambios a la hora de elegir tendencias colcectivas del momento y gustos personales. El inconsciente, los sueños, el arte devenido en espectáculo, la mujer como musa,el tiempo,la ciencia temas caros a Dalí que revelan las obras expuestas en esta muestra. Montse Aguer es la comisaria de la exposición en el Reina Sofía y directora de la Fundación Gala-Dalí.Y el comisario general de la exposición es Jean-Hubert Martin. 200 obras del pintor que se podrán ver en el Museo Reina Sofía de Madrid hasta el 24 de septiembre.

Pintores románticos alemanes

El Museo del Romanticismo de Madrid exhibe la muestra "Los espejos del alma, paisaje alemán en el romanticismo", que rinde homenaje a los orígenes del romanticismo en Alemania y su expansión en Europa.La exposición se puede ver hasta el 31 de marzo próximo.La exposición cuenta con unos 20 dibujos y acuarelas de los más importantes representantes de la pintura romántica de Alemania: Caspar Friedrich, Johann Von Dillis,Andreas Achenbach,Adolf von Menzel,Carl Gustav Carus,Adrian Richter, etc. Las obras fueron prestadas por el Museo Kunstpalast de Dusseldorf. Pintura interiorista fuertemente paisajística conviene ver los orígenes de ese movimiento que fue el Romanticismo al menos en pintura. Esos "espejos del alma" no son sino esos paisajes que describen también esos estados de ánimo melancólicos del hombre romántico. El post se ilustra con uno de los cuadros de la muestra perteneciente al pintor Andreas Achenbach y su "Ermita".

Albert Anker

 Albert Anker es un gran pintor suizo.Díscipulo de otro pintor suizo Charles Greyre. De Berna se fue a París abandonando su carrera de teólogo para ir a estudiar con Greyre.Aprendió su oficio en la Ecole de beaux-arts de París. Pintor de escenas rurales, hogareñas,etc.Muy conocido por ser un pintor de niños.Estas pinturas sobre todo lo hicieron muy conocido en el mundo del arte.Su obra es popular no exenta de una gran elegancia y de un excelente manejo de la luz.Realista su pintura demuestra sensibilidad y un buen conocimiento de la sociedad de su época. En el año 2010 se realizó una retrospectiva de su obra debido al centenario de la muerte del pintor. Cuando era niña me gustaba leer, ver libros de cuentos, enciclopedias, libros de historia.Estas pinturas me transportaron de nuevo a esa lindísima época de mi vida.  Gracias Albert Anker.

Egon Schiele

Una muestra "Egon Schiele. Obras del Albertina Museum", en el Museo Guggenheim , en Bilbao, España sirve para dar a conocer el talento de Egon Schiele, pintor nacido en Austria. Klaus Albrecht Schroeder, es el comisario de la muestra y director de Albertina Museum. "Un recorrido cronológico que se inicia con sus primeros retratos, realizados antes de su ingreso en la Academia de Bellas Artes de Viena y continúa con autorretratos -poco frecuentes en esa época- en los que ya muestra una ruptura con el academicismo de la escuela" según nos dice el diario "El Periódico.com" de Cataluña.También se verán gouaches y fotografías del autor. Escandalizador con sus retratos eróticos determinó que fuera procesado y encarcelado en 1912.Es uno de los integrantes de la escuela expresionista.Para mí una de las grandes escuelas de vanguardia. Me gustan todas pero adoro el expresionismo. La desesperación , lo intenso de la carnalidad desvelaron al artista heredero de Klimt (había tratado al maestro).El desgarro del ser humano en los primeros años del siglo XX lo unieron a la visceral llamada de atención de Kafka y su potente obra expresionista. Influencias:el modernismo, Van Gogh, etc. Cuerpos desnudos obscenos y su paleta terrosa ocre para significar la poca trascendencia de esos seres anónimos pero exaltados hasta llegar al retorcimiento y a la crudeza absoluta. Purificarse en el cruce eso parece decir su pintura. Lo que no está permitido es el desamor el amor a medias. Schiele estudió dibujo y diseño en la Academia de Bellas Artes de Viena.No le gustaba el ambiente conservador y en 1909, funda la Neukunstgruppe. La desolación del hombre el vacío existencial la fiereza de dos cuerpos intentando amar aunados con la virtuosidad en el dibujo y la pintura hacen de Schiele un Master sin otro agregado. La muestra se puede visitar hasta el 6 de enero.

Salvador Tuset Tuset

Salvador Tuset es uno de los grandes pintores españoles. Nacido en Valencia.Fue discípulo de otro maestro en pintura, Joaquín Sorolla.Tuset también fue fotógrafo, escultor y cineasta.

El estilo del artista se podría ubicar en sus primeros años como impresionista luego continúa en el modernismo,el "art nouveau" y el simbolismo. Su luz a diferencia de los primeros años impresionistas se vuelve más interior más sosegada.

Su obra que recuerda a los brillantes pintores de la escuela flamenca por ej. Vermeer y Rembrandt, son retratos, bodegones,desnudos,paisajes especialmente el de la Sierra de Albarracín.Sus atmósferas intimistas lo hicieron famoso.

Nacido en 1883.Muere en 1951.

La pintura de Tuset que ilustra ese post pertenece a www.waapt.it

Exposición "Meraviglie dalle Marche"

Hay una preciosa muestra de lo pictórico de la región de le Marche (Italia) en el Museo Nacional de Arte Decorativo. Los responsables de esta "meraviglie" es la gente de Hope Funds con Enrique Blaksley a la cabeza. Excelente muestra por cierto.El Presidente de la Fundación Juan Pablo II y Secretario de las Comunas Marchigianas, Marcello Bedeschi hizo entrega de una distinción por el aporte a la cultura a Blaksley y a Hope Funds.Se lo merecen por tamaña exposición.

La Marche es una región de Italia, del centro de Italia.Su capital es Ancona.

Iconografías religiosas del Gótico tardío – de fines del siglo XIV - siglo XV de los pintores Olivuccio da Ciccarello, y Paolo Veneziano hasta el Neoclasicismo monumental de Adolfo de Carolis de fines del siglo XIX y principios del siglo XX.
También obras del Renacimiento temprano (Quattrocento) y del Barroco tardío del Settecento por ej: Carlo Crivelli, Rafael, Tiziano , Lorenzo Lotto además de obras de otros pintores igualmente destacables como el Guercino, Sebastiano del Piombo,Luca Giordano, Maratta entre otros.La curaduría es del Profesor Arq. Angel Navarro.

Fecha de cierre de la muestra: 3 de agosto 2012.

Edward Hopper

Edward Hopper,pintor norteamericano se formó en la New York School of Art. Se inclinaba por las pinturas de Edgar Degas, Félix Valloton, y Édouard Manet y a su estilo se lo ubica en el Realismo .Influyó en la vuelta al arte figurativo posterior y en el Pop Art.Un pintor ligado al cine a través de la influencia que el artista tuvo sobre los directores de cine ej: Hitchcok.

Desde sus inicios desarrolló un estilo artístico propio, ligado a su carácter apesadumbrado sellado en los cuadros mediante la soledad de los personajes representados. Sus obras en la que la luz es todo muestran a la América de la Gran Depresión.

Los temas del pintor: una profunda soledad, la incomunicación, la angustia, el insomnio, el desvelo, la falta de afectos, la frialdad.

Los seres de Hopper exhiben un sentimiento de orfandad que apesta.La modernidad los ha dejado solos, desnudos y absortos en una espera que los tortura. Seres nocturnos, nighthawks, solitarios en las cafeterías, ventanas abiertas a una intimidad que no es grata porque a esas personas les falta algo y esa carencia los vacía de existencia.

El Museo Thyssen-Bornemisza en España presenta una exposición de Hopper.

La exposición del gran maestro del siglo XX es fruto de un proyecto de colaboración del Museo Thyssen-Bornemisza y la Réunion des Musées Nationaux de France.La muestra finaliza en septiembre 2012.

David Hockney

David Hockney, pintor inglés tendrá una muestra en el Museo Guggenheim de Bilbao. La exposición que se llama "David Hockney: El gran cuadro" presenta un conjunto de obras recientes (200 obras) inspiradas en el paisaje del este de Yorkshire. Son una selección de piezas de entre 1956 y 2000, que muestran la exploración y fascinación de Hockney por el paisaje. La muestra de Hockney va desde el 15 de mayo hasta el 30 de septiembre de 2012.

Hockney estudió en el Bradford School of Art.De 1959 a 1962 estudió en el Royal College of Art de Londres.Allí estudió las pinturas de los expresionistas abstractos americanos como por ej:Pollock, De Kooning, Rothko,Gorky, Kline,etc. Digo que me encantan las pinturas de este hombre. Son diferentes sus pinturas son distintas etapas casi todo artista tiene sus periodos y Hockney tuvo los suyos.Considerado un representante del pop art En la actualidad es considerado el maestro del iPaint gracias a sus pinturas realizadas con algunas de las aplicaciones favoritas de creación para iPad, como Brushes o StetchBook.0 la serie sobre piscinas de Los Ángeles que están pintadas con mucho color.También tuvo una serie de collages a base de distintas polaroids que realizó por los 80.Trabajó en escenografías para óperas: por ej. Ópera de Glyndebourne en Inglaterra como para el Metropolitan Opera House de Nueva York.Sus influencias en pintura:Rembrandt, Monet, Van Gogh, Constable y Turner, Claudio de Lorena (o Claude Lorrain) pintor francés, etc.

Escribió un libro muy interesante llamado "EL conocimiento secreto" y la idea planteada en el libro radica que desde comienzos del siglo XV muchos artistas de Occidente (italianos , flamencos) utilizaron la óptica por ej.espejos que les sirvieron para sus creaciones. O sea los artistas se valieron de ayudas ópticas para plasmar sus mundos privados.

Antoni Tápies

Antoni Tápies pintor y escultor catalán, teórico del arte y coleccionista.Siempre relacionado con la vanguardia de la posguerra.Como artista como hombre sensible fue capaz de reflejar la protesta y denuncia de los abusos del franquismo en su vasta obra. Tàpies entendía que la noción de materia (posee vida y es el medio más directo de lo subjetivo) debía interpretarse también desde la perspectiva del misticismo medieval, a la luz de la magia y la alquimia.Alguien que creía en la capacidad taumatúrgica del arte, en la sanación a través del arte.Que nunca entendió el arte aislado apartado de los problemas e interrogantes que inquietan al hombre.
Empezó a estudiar Derecho hasta que en 1934 se topó con la revista D’Ací i d’Allà y comenzó su carrera en el mundo del arte, exponiendo por primera vez en 1948. Autodidacta sin embargo hay muchos "ismos" en su creatividad artística: dadaismo,surrealismo, expresionismo, informalismo,etc.Además fundador junto a Modest Cuixart y Joan-Josep Tharratsmagia, mimesis y alquimia. En ese sentido se entendía el deseo de que sus obras adquirieran el poder de transformar el interior de los espectadores.entre otros, de la revista y del movimiento conocido como Dau al Set.Se desvincula del movimiento en 1951.En 1990 abrió las puertas al público la Fundación Antoni Tàpies, institución creada por el propio artista para potenciar el arte contemporáneo.Otra de las características de Tápies es la reivindicación del empleo de imágenes sórdidas, desagradables y fetichistas.Participó varias veces en la bienal de Venecia, ganó el primer premio Carnegie, el premio Unesco o el premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Las influencias de Antoni Tápies:Espiritualidad oriental y especialmente el budismo zen. Y la admiración por Joan Miró.

Algunos de los premios que tuvo su obra: Premio Príncipe de Asturias de las Artes (1990), la Medalla d'Or de la Generalitat (1983), la Picasso de la Unesco (1993), el Premio Nacional de Artes Plásticas de la Generalitat (1995), el Velázquez de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura (2003) y el Praemium Imperiale de la Asociación Artística de Japón, etc.

Temas en su obra: la muerte, las guerras,la sexualidad, etc.

Como ensayista escribió "La práctica del arte" (1971), "El arte contra la estética" (1977), "Memoria personal" (1983), "La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista" (1989), "El arte y sus lugares" (1999) y "Valor del arte" (2001)entre otras publicaciones.

Antoni Tápies fallece el día 7 de este mes de febrero.

No es un pintor que me deslumbre pero valoro sus ideas sobre el arte y su valentía ante algunos procesos políticos.

Lucien Freud

"Lucien Freud died ages 88" dice el titular del periódico inglés The Guardian(del 22/07/11). Creo que los artistas nunca mueren se van de viaje y permanentemente regresan con sus obras.
En su autorretrato se puede ver el enorme talento para el dibujo y para iluminar un rostro con sus defectos y virtudes. A diferencia de Cy Twonbly del cual hablé en mi blog,no me apasiona la pintura de Freud.Pero debo destacar su maestría en la expresividad y verosimilitud al punto de llegar a un hiperrealismo (el hablaba de realidad intensificada) para desnudar un cuerpo.También para captar la sensualidad o sexualidad cruda que puede darnos una mujer u hombre tal cual vinieron al mundo.En eso creo que radica su éxito como pintor.Su manejo artístico de un rostro(excelente retratista).
Nacido en Berlín, nieto de Sigmund Freud. Su pintura se encuadra dentro de lo que se llama"Escuela figurativa inglesa". También formaban parte de esa escuela Francis Bacon,Frank Auerbach,etc.Pintura donde el hombre contemporáneo está marcado por la angustia, la desesperación y la ansiedad: en sus gestos, en su mirada.

Resumo: pintura intensa,vital, extrema. Arte y más arte.

Enrique Policastro

Vale la pena acercarse a la muestra de obras del pintor Enrique Policastro en el Museo Sívori.

Enrique Policastro es de esos pintores de bajísimo perfil pero con una obra pictórica inmensa. Sus pinturas abarcan especialmente el pueblo, la pobreza extrema de un ranchito,la soberbia y solitaria melancolía de paisajes argentinos o americanos.Su visión americanista nos permite acercarnos a lo genuino y original de estas tierras.Pintura metafísica y social.
En el año 1956 conforma con Lino Spilimbergo, Demetrio Urruchúa y Juan Carlos Castagnino , un equipo de trabajo muralista que decora la gran cúpula de la Galería San Jose de Flores.Además de la realización del mural el grupo coincide en cuanto al pensamiento filosófico, político, social y artístico. Les une una fuerte simpatía y compromiso hacia los movimientos revolucionarios latinoamericanos.Son antifascistas y antifranquistas.Las características del realismo social que seguían estos artistas consistía en: el uso de paletas oscuras y hasta dramáticas del color, elección de temas que reflejan algún aspecto triste o doloroso de la realidad,etc.Raquel Forner y Antonio Berni también integraban ese grupo de artistas.

Con el auspicio de la Fundación Alón esta muestra permite observar una selección del artista en las que se nota su sobriedad extrema,la austeridad para contar historias de una pampa bravía o un norte terroso y mineral.Una mirada personal de este artista autodidacta y antiacadémico.
Su sencillez exalta la tierra, la naturaleza desoladora de algunos parajes, los hombres en sus pinturas son seres anónimos que parecieran no esperar nada del mundo.La poesía despojada de los más humildes que supo captar sintiendo a flor de piel la injusticia y el descuido de esa clase social por los más poderosos ya fuera en el conurbano bonaerense o en las montañas.

La muestra cierra el 24 de julio próximo.

Luis Benedit

"Equinus equestris" del artista Luis Benedit fue la exposición más personal en cuanto a ideología a concepción del hombre en relación con su mundo.Mundo de caballos,mundo campero, mundo argentino.

Su obra como pintor, como artista tiene que ver con un trabajo laborioso utilizando todo tipo de materiales ej: huesos de animales (vacas, caballos) mezclándolos con metal.También fue arquitecto,escultor,paisajista. Hizo instalaciones. Participó en el rediseño y restauración del Centro Cultural Recoleta, una tarea que realizó junto con los arquitectos y artistas, Clorindo Testa y Jacques Bedel.

Representó a la Argentina en la Bienal de Venecia (1970) y obtuvo el Gran Premio en la Bienal de San Pablo (1977) con una obra colectiva presentada por el grupo CAyC. "Making reference to biological and chemical experiments to construct metaphors of the relationships between science and art, he began in 1968 to analyse the role of the individual in society through his first Animal Habitat , consisting of glass objects with water and fish, and Microzoos of ants, lizards, fish, tortoises, vegetables and honeycombs" dice del artista la página web www.artfact.com

Luis Benedit murió hace unos días pero como siempre pienso que todo artista jamás parte sino que continúa en su obra no me creo lo de la muerte porque creo profundamente en la vida.

Me quedo con una definición del artista (tomado de una entrevista que le hizo la Revista Noticias)" Honestidad para con su trabajo. Eso, de alguna forma, tarde o temprano brota. Hay que hacer lo que te pide el cuerpo, y si bien corresponde estar informado y saber qué es lo que hacen tus contemporáneos, se debe ir donde el corazón y la cabeza pidan". Esta definición lo pinta de cuerpo entero.

Roberto Matta/el año Matta

Soy una admiradora del surrealismo ya sea en pintura o en literatura. Roberto Matta es un célebre pintor encuadrado dentro de ese movimiento. Conoció a grandes del surrealismo y a otros artistas vanguardistas: Tanguy-Duchamp-Chagall-Léger-Mondrian-Picasso-el escultor inglés Moore-Dalí-Masson-Ernst-Breton, etc. En sus pinturas vive el mundo de la psiquis, el mundo interior, la conciencia, los sueños.Mundos metafísicos y oníricos que encantan.Trabajó además con importantes arquitectos como Le Corbusier y Gropius. Hizo grabados y esculturas. En sus diferentes etapas primero primó el dibujo y luego la pintura.

Creo que es uno de los pintores chilenos más importantes por la belleza de sus obras y por un gran talento para representar lo abstracto.Y uno de los mejores a nivel internacional sin dudas. La locura del mundo en guerra influye en sus pinturas caóticas y coloridas hay insectos,humor, erotismo.También política. Después de los años 60 su pintura tendrá una veta más social y comprometida.

"Matta ha realizado ilustraciones de varios libros y escrito valiosas publicaciones, como "L’Espace de l’Espèce" y "Cosa è la cosa mentale", donde plantea los rasgos esenciales de su concepción estética en 1965 y un homenaje póstumo a Breton "L’Illumination", publicado en La Nouvelle Revue Francaise, en París
en 1967."(Extracto de la revista El Triangular año 2010).

Este año se celebrará en Chile (y en el mundo) el año Matta debido a la conmemoración del centenario de su nacimiento.

Matta,el pintor que "veía destellos" iluminó nuestras vidas con sus magníficas creaciones.

Alex Katz

La pintura de Alex Katz revela un mundo subterráneo.Son hermosas y jóvenes sus mujeres.Son elegantes y sensuales.Huelga decir que no es pintura de Picasso, ni de Toulouse Lautrec pero es maravillosa a su modo.Es norteamericano y es un pintor de los años 50´.
Sus retratos y paisajes fueron expuestos en Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden (1995),en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia (1996), P.S. 1/Institute for Contemporary Art, New York (1997-1998), the Saatchi Gallery, London (1998), Galleria Civica di Arte Contemporánea, Trento (1999), and Kunst und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn (2002), etc.

Alex Katz: Su pintura viene a ubicarse en lo que se llama arte pop y también en el expresionismo abstracto.Aunque como todo artista va cambiando y va probando estilos, escuelas. Siempre pintura figurativa .Bañistas, niñas de colegios, artistas, árboles, etc.

Pintor de formas y no contenidos según sus palabras.Toma la apariencia y de eso hace una historia, un retrato. Sus influencias además de los estilos mencionados también la publicidad, la historieta.Admira a Pollock y a Matisse. Sus retratos sus figuras son muy "american way". No necesita etiquetarlas sabemos que significan cada una.

Ana Eckell

Ana Eckell es una pintora, dibujante e ilustradora argentina .En el Museo Sívori(Infanta Isabel 555)se exponen obras de esta artista y del cordobés Mateo Arguello Pitt.Innumerables premios consagran el trabajo de Eckell entre otros:Primer Premio Constantini del Museo Nacional de Bellas Artes, Primer Premio Chandon Museo Nacional de Bellas Artes, Primer Premio Nacional dibujo, salón Nacional de Grabado y dibujo.,Segundo Premio Telecom de Pintura del Palais de Glace,etc.

Su pintura toma una humanidad sin terminar.Figuras borrosas sumamente expresionistas que se distorsionan, que emergen de alguna caja.Cierta tensión, inquietud pero a la vez el descubrimiento de una belleza distinta es lo que nos producen los cuadros de la artista. Este es uno de los cuadros que más me gustó de Eckell.

Alfredo Hlito

Figura imprescindible del arte concreto y pionero del arte abstracto Alfredo Hlito
es uno de los grandes artistas argentinos que emerge en la década de los años 40 y 50
Hlito también fue diseñador gráfico, ensayista, pintor. En 1945 integró la Asociación Arte Concreto Invención. Participó en la Bienal de Río de Janeiro en varias oportunidades y en la de Venecia también. En 1983 fue nombrado académico de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina.

Siempre innovador junto a Claudio Girola y Tomás Maldonado firmó en 1946 el Manifiesto Invencionista, como integrantes de la "batalla librada por el arte abstracto". Rompen entonces con el arte figurativo y exaltan el "racionalismo y la fe en el poder de la invención estética".Había sido cofundador del grupo Arte Concreto-Invención en 1945, junto con Tomás Maldonado, Enio Iommi, Raúl Lozza, Lidy Pratti y Manuel Espinosa, entre otros.


Obsesionados por la modernidad, desarrollaron un arte que participaba además en la vida cotidiana en términos de orden racional y claridad: se preocupaban por la arquitectura, diseño gráfico y el diseño en general.

En 1953, Hlito viaja a Europa, donde admira a Cézanne, Mondrian; en Italia le fascinan Piero de la Francesca, Masaccio, etc.

“La estética científica reemplazará a la milenaria estética especulativa e idealista...Practicamos la técnica alegre. Sólo las técnicas agotadas se nutren de la tristeza, del resentimiento y de la confidencia...(Estamos) contra la nefasta polilla existencialista o romántica. Contra los subpoetas de la pequeña llaga y del pequeño drama íntimo”...(Debemos) Exaltar la óptica”decía en un manifiesto (escrito junto a sus compañeros antes mencionados).

A lo largo de su vida recibió numerosos reconocimientos: Premio Konex, Premio Instituto Di Tella, Premio de la Asociación Internacional de Críticos de arte y premio Consagración Nacional, entre otros.


Hay una muestra de Hlito junto con otro artista importante Miguel Ocampo en el Museo del Tigre hasta el 14 de noviembre(Niko Gulland arma esta exposición) . Dirección: Paseo Victorica 972.

Alfredo Prior en el MALBA

Alfredo Prior es un pintor argentino cuyo material se encuentra en exposición en el MALBA hasta el 1 de noviembre de 2010.

Abstracción pura muy colorida la muestra consta de 21 trabajos. Y se llama " Un verde pensar bajo una sombra verde".
Se lo considera un pintor manierista o neomanierista en su estética hay lugar para el humor, para lo lúdico y lo oriental.En sus diferentes etapas conviven osos, colores sombríos y exultantes, trazos japoneses o chinos e influencias varias. Entre ellas Victorica, la música, la literatura (estudió literatura),etc
"Es una marca Prior: sus trabajos incluyen un desfile inagotable de guiños a la historia del arte, citas bíblicas y mitológicas, y homenajes a artistas conocidos y otros más ocultos" dice en el diario Clarín, Marina Oybin.

También es músico. Figura clave de los años 80' es un pintor ecléctico que conviene tener en cuenta a la hora de comprar pinturas o ser mero espectador.