Returning Crusader Teutonic Knight ( Heimkehrender Kreuzritter), obra de Karl Friedrich Lessing

"El retorno del caballero cruzado teutón " o sea alemán ese seía el título de esta obra de arte. Su autor es Karl Friedrich Lessing. La fecha de la obra terminada en 1835.

Lessing es un pintor alemán. Paisajista además de pintar momentos históricos. Nació en 1808. Muere en 1880.

Con respecto a la obra que posteo se ve en la pintura un anciano , un caballero que regresa cabizbajo. ¿ Cansado ? ¿ Agobiado , who knows ?

Sabemos por el título que es un caballero de origen alemán. Y que regresa a su hogar. Las Cruzadas contra los moros se llevaron a cabo entre los siglos XI y XV. El caballo parece reflejar el estado del ánimo de su dueño. Una obra de arte con tinte melancólico hasta el cielo está encapotado.

 
Esta obra de arte se encuentra en la ciudad de Bonn. Precisamente en el Rheinisches Landesmuseum.El museo estatal de la región de Renania, en el oeste de Alemania. Museo de historia arqueológica, artística y cultural de la historia de Renania.


Opinión personal: Me remite en cierta forma a alguna pintura de Corot, el estilo paisajista casi impresionista. Adoro a los cruzados así que cuando la ví ya quería escribir sobre este retorno del caballero.

"In ictu oculi " de Juan de Valdés Leal

 

De su época tenebrista es esta pintura del pintor español Juan de Valdés Leal. Un encargo para la Hermandad de la Caridad de Sevilla, en el año 1672. 

El tenebrismo dice Wikipedia "que es el nombre que la historiografía del arte da a un estilo o corriente de la pintura del barroco correspondiente a su fase inicial, a comienzos del siglo XVII, cuyos principales exponentes son el italiano Caravaggio y José de Ribera ". La presencia del barroco se verifica en el uso de los claroscuros, en el misterio, la tensión y potencia del significado. La inscripción en la corriente del tenebrismo es que es una obra más situada en lo oscuro, lo macabro, la presencia inquietante y dominante de la Muerte.

La obra es claramente una reflexión sobre la Muerte como aquella figura que marca un no retorno, el fin de un ciclo. La niveladora de clases sociales , toda poderosa.

Simbología acertada si pensamos que hay un inicio/nacimiento y un final/muerte. La iconografía remite a la sumisión a la muerte a toda ambición mundana, a toda gloria efímera. La figura de la Muerte se sitúa por encima del arte, de la ciencia, del poder político y eclesiástico. Si vemos como el pintor sitúa la figura de la Muerte en el cuadro como diciendo "esto es nada".  

In ictu oculi significa "parpadeo también "en un abrir y cerrar de ojos ". Lo efímero constituye la base de todo ser humano, de todo lo biológico. La vida es un parpadeo, cuando abrís y cerrás los ojos ya es hora de irte.

Esta obra y otra llamada Finis Gloriae Mundi componen lo que se conoce como Los jeroglíficos de nuestras postrimerías. 

La vanitas del mundo se evapora ante la presencia de la Muerte en esta obra de Váldez Leal.  

Girl reading a letter in an interior , obra de Peter Vilhelm llsted

La intimidad con el libro o con una carta es total. Apenas llega un haz de luz dentro del cuarto pero ella sigue ensimismada  en su lectura. ¿ Qué dirá el autor que la tiene tan concentrada ?. ¿ La carta contiene algo que ella estaba necesitando leer ? Cuando lees algo bueno o que esperas te atrapa de tal manera que estás secuestrada por el escritor o escritora incluso luego de leido el libro o la carta. Los ecos que dejó la lectura de la obra o de la carta te vuelven a enamorar. La concentración tiene que ver con el interés o con la necesidad de obtener o saber algo.  

La obra de arte es de Peter Vilhelm llsted (1878- 1933). Su título "Girl reading a letter in an interior ". llsted forma parte de la "Escuela de interiores de Copenhague ".  Colores que se desvanecen. Nada de grandes fuegos artificiales en sus pinturas sino contar lo que pasaba dentro de los hogares daneses. Mujeres leyendo o con sus hijos en ambientes sutiles y de paz. Un retratista de la clase burguesa. Nada llamativo ni ostentoso bastante minimal pero que da tranquilidad y belleza observarlos.     
 

Explicar un cuadro es imposible..., Edvard Munch

"Explicar un cuadro es imposible. Precisamente porque uno no sabía explicarse de otra manera es por lo que se pintó. Y aun así el cuadro solo será un vago reflejo de lo que pretendía decir.

No creo en el arte que no nace de la necesidad del hombre de abrir su corazón ".


Edvard Munch

(Art de Edvard Munch )

Análisis de la obra "Lepidóptera " de Leonora Carrington

 

La obra que corresponde al post se llama "Lepidóptera " y es de la pintora Leonora Carrington. 

La pintura como todas de Carrington, es personal, muy, bella, muy y simbólica a más no poder. Surrealista o sea dice mucho más de lo que se ve a primera vista. La mariposa es un lepidóptero, ella habla de una lepidóptera, tal vez una mujer que decide un cambio, una transformación. Una enorme mariposa constituye el centro de la obra. ¿ Cómo es esa lepidóptera/mujer ? no hace daño, no utiliza la violencia, es libre. Es creativa, a través de su expresión encuentra la luz, una luz potente, la expresión misma. La Diosa, una diosa primordial, una mujer ¿ la pintora ?. No cualquier mujer, una diosa. Esa mujer/diosa con cabeza triangular  va volviéndose la lepidóptera, mutando y buscando la luz, la expresión de algo. En la frente tiene el símbolo del Infinito. Un mundo mítico le sirve a la artista para quejarse/rebelarse en forma casi encubierta del gobierno mexicano de esos años y de declarar su adhesión a las protestas de la oposición.      

En el primer plano del cuadro se halla un animal híbrido bicéfalo; por un lado posee cuerpo y cabeza de jaguar, y por el otro la cabeza de un ave. Este animal lleva un sol resplandeciente en el pecho. Sobre el lomo del jaguar se encuentra una figura con las manos elevadas que pareciera realizar un gesto de aclamación, sus pies se aferran al lomo del animal. Esa figura puede ser el pueblo mexicano que pide un cambio de su situación. 

El fondo del cuadro es de color naranja. La obra "Lepidóptera " expresa en forma simbólica lo que ocurre en el interior de Carrington en esos tiempos revueltos y el conflicto en sí mismo. La pintora dona esta obra al movimiento estudiantil de entonces . Su arte es premonitorio del horror que vendría después. Si la obra es del 13 de agosto de 1968, casi dos meses después ocurre la matanza de estudiantes en Tlatelolco. 

Hay un texto de Carrington en la pintura y rescato éste fragmento que dice "quiero guardar mi libertad ", quiere ser libre como artista, no quiere ser señalada como amiga del poder, el poder de turno que masacra estudiantes. La artista queda en shock y con mucho miedo luego de la Matanza de estudiantes de Tlatelolco, México, en 1968. Se va a Estados Unidos un tiempo para proteger su vida y la de sus hijos ya que su nombre había aparecido en la lista de los artistas que conspiraban contra el gobierno. Carrington vuelve unos años después a México y se queda definitivamente hasta su muerte ocurrida en 2011. 

"Lepidóptera " fue pintada en técnica mixta sobre masonite  (una placa de madera) en agosto de 1968.

Nota: en la obra se leen estos versos de John Donne " Poor victories; but if you dare be brave,/ And pleasure in your conquest have,/First kill th’enormous gyant, your disdain;/ And let th’enchantress Honour, next be slain;/ And like a Goth or Vandal rice, /Defase records and histories/ And without such advantage kill me then.".Que habla de las victorias pírricas, las victorias que se consiguen con más daño del ganador de la contienda que de la víctima.

(Puedes leer más de Leonora Carrington en el blog)

En mi caso toda pintura..., Francis Bacon

"En mi caso toda pintura… es un accidente. Lo preveo y, sin embargo, casi nunca lo llevo a cabo como lo preveo. Se transforma por la pintura real. De hecho, no sé muy a menudo lo que hará la pintura, y hace muchas cosas que son mucho mejores de lo que yo podría hacer."

Francis Bacon

Análisis de "La jirafa en llamas ".Autor: Salvador Dalí

 

"La jirafa en llamas " es una obra del pintor Salvador Dalí. Te impresiona pero a la vez fascina esta obra de arte.  Hay tanto por leer/interpretar aquí en el cuadro. Digamos que es una obra al óleo que algunos dicen que es de 1936 y otros de 1937.   

En primer plano vemos una mujer alta , elegante, muy delgada, descalza y cuyo cuerpo se apoya en muletas, varias muletas sostienen un cuerpo armonioso pero un detalle nos hace ver la imperfección al fin de la figura tan majestuosa, tiene la inclinación de la cabeza de un ciego tanteando el espacio, o una sonámbula (acordarse de la importancia de la actividad onírica en los surrealistas). La cara no tiene rasgos y posee un color raro.¿ El rostro quemado ?. La piel del cuerpo está en hilachas como sus ropajes.  De ese cuerpo salen una cantidad de cajones. Los cajones serían lo secreto, el mundo interior. Están abiertos o se abren en los sueños. Ahí sabremos que encierran esos cajones, lo inconsciente.  Nótese que el mayor de los cajones se encuentra en el pecho de la mujer. Y los otros , más pequeños, salen desde una pierna.   

Detrás de la mujer otra figura de mujer también apoyada en muletas pero más de perfil. Como más estructura que persona. Más deconstruida. Casi esquelética. También elegante. En su mano extendida hay un trozo de carne. La primera tenía cajones, ésta alza algo orgánico, un pedazo de carne. Ambas mujeres han estado en presencia del fuego. Aunque la segunda figura femenina ya es más despojo que la primera y es la que más soporte tiene en su espalda.    

La sexualidad de las figuras: La primera es fálica y a la vez es cuerpo sexuado, en ambas figuras femeninas senos turgentes, cuerpos esculturales, pechos bien femeninos y exaltados. 

En tercer lugar está la jirafa que da título a la obra. El animal impasible arde en el fuego. Las "humanas " están más horrorizadas, en búsqueda de algo: ¿ luz ?,¿ agua ?, ¿ aire ?. Definitivamente deberán tantear porque ni rostros tienen. Están perdidas, ya no pueden verse. Inquieta la serenidad del animal en contraposición con las figuras humanas. ¿ Acaso está acostumbrado al sacrificio ?.  Dijo Dalí de la jirafa que era el " monstruo cósmico apocalíptico masculino".   

De la espaldas humanas  surgen las muletas. Algo artificial. Los humanos necesitan apoyo. Estamos perdidos. Del lomo del animal, las llamas. Algo que pertenece a la Naturaleza, químico. Es una forma de luz. Las llamas no son apoyo, muleta sino luz, es un elemento natural.   

Como en otras pinturas de Dalí, la presencia del desierto. Ese espacio frío (por los colores) pero en el que sin embargo  es iluminado por la jirafa en llamas. 

Dice Rimbaud que " El poeta se convierte en vidente en virtud de un largo, inmenso y razonado trastorno de todos sus sentidos". Todo poeta , yo diría todo artista es un vidente lo que aplicaría a Dalí y sus pesadillas, visiones terribles donde ve esta jirafa en llamas a la que asocia con sus preocupaciones diurnas por la llegada de la guerra tanto en España como la mundial. Tiempo después el mundo queda en llamas en serio debido a las acciones bélicas en todas partes del continente europeo y fuera de él. Primero sueño o visión luego realidad. Aplica en esta etapa de su obra artística lo que él ha llamado el método paranoico-crítico. Un método propio del artista que busca racionalmente generar ambigüedades que hagan aflorar el inconsciente del espectador (al interpretar la obra).

Mi opinión personal: Un mundo desolado, de apocalipsis. La Humanidad ha culminado en una perfección física pero carente de escrúpulos: la carne, el animal en llamas. La locura de esta gente que hace del mundo un horror. El mensaje es desesperanzador en términos de los humanos, han hecho del planeta un desierto finalmente. Pero... la esperanza está sin embargo en la Naturaleza. La jirafa es el Cosmos, lo mágico (por eso la impasibilidad ante el horror) la continuación en el mundo o los mundos de la materia, de la Vida, del Bios pero sin el Hombre.  No más guerras, no más codicia, no más jirafas en llamas.    

Una obra de arte trágica, premonitoria, salvajemente premonitoria y a la vez de una belleza contundente. 

Localización del cuadro: Öffentliche Kunstsammlung, Basilea

  

Luis Buñuel-Salvador Dalí

Buñuel-Lorca y Dalí así fue el trío más mentado del arte en España. Voy a dividir en tres el post porque me parece mejor indagar en la relación de a dos. Mi manera de abordar esta hermosa amistad. Buñuel y Dalí primero.



Buñuel y Dalí se conocieron, en la década del 20, en la famosa Residencia de Estudiantes de Madrid (donde también conocieron a Federico García Lorca entre otros). Buñuel era enérgico, avasallante, deportivo,sensual, celoso y machista mientras que Dalí era inseguro,muy tímido,asexuado en esos años. Sí un gran pintor como luego notarán sus amigos de la Residencia.


Luis Buñuel venía de Calanda, Teruel mientras que Salvador Dalí había nacido en Figueres, Girona (Cataluña).

De esa amistad corta pero fructífera surgió la película " El perro andaluz "*. Ambos se inscribieron en una de las corrientes vanguardistas de la época, el surrealismo. Dalí diseñó los decorados de Mariana Pineda de Lorca y de Un perro andaluz y La edad de oro de Buñuel, en cuyos guiones también participó.


Luis Buñuel no soportaba a Gala la mujer de Salvador Dalí. Desde que ella aparece en la vida de Dalí comienza la separación entre ambos amigos.


¿ Dalí se alejó de Buñuel por influencia de Gala ?. Dalí defendía a su mujer a rajatabla. Antes Dalí se había alejado de García Lorca ya veremos porqué. Buñuel estaba muy celoso de la amistad/casi relación que tenían Dalí y García Lorca.

Lo cierto es que la separación entre ambos también se dio por las facciones en las que estaban cada uno, Buñuel republicano en exilio hacia México y Dalí, franquista. Se dice que Dalí le escribió muchas veces a Buñuel y que éste nunca le contestó.

*"Un perro andaluz " se refería a García Lorca (andaluz él). El artista se enoja con Buñuel y Dalí por el nombre de su trabajo en conjunto.

Max Ernst y las aves

Max Ernst, artista surrealista, vanguardista, amante de los pájaros.Sus pinturas en las que entrecruza parte de aves con hombres son fantásticas y a la vez misteriosas. Algunas son violentas e inquietantes. "Desarrolló una fascinación de los pájaros, y se demostró en su obra. Su álter ego en las pinturas, que él llamó Loplop, era un pájaro. Ernst explicó que este álter ego era una extensión de sí mismo derivado de una confusión temprana de aves y humanos" según reyesmaciasmuseovirtual (página sobre Surrealismo). Según anécdota infantil su afición a los pájaros derivó de la muerte de su querido loro, una cacatúa en realidad selon Julotte Roche "Max y Leonora: relato biográfico".


Elegí tres de sus obras con hombres mitad aves pero hay muchas más por supuesto...


El artista se refería a su obra en general de este modo


"Mi obra es como mi modo de vivir: ni armoniosa, como la de los creadores clásicos, ni uniforme, como la de los revolucionarios tradicionales. Es subversiva, irregular y contradictoria, e inaceptable para los especialistas del arte, de los comportamientos y de la moral".Max Ernst

Andrea Mantegna y los Gonzaga

Obra: The house of the Ludovico Gonzaga by Andrea Mantegna


Andrea Mantegna, artista del Renacimiento Italiano trabajará prácticamente toda su vida bajo el mecenazgo de la familia Gonzaga. Los Gonzaga eran poderosos en Mantua. En 1456, el marqués de Ludovico Gonzaga le pidió que acudiese a Mantua, y hasta allí se desplazó en 1458. No sólo trabajó para Ludovico Gonzaga sino también para los hijos Francesco y Federico Gonzaga y su esposa Isabella D' Este.


La obra mencionada en el post forma parte de la Cámara de los esposos o Camera Picta. Obra que Ludovico Gonzaga encarga a Mantegna. Es una autocelebración de su familia, la distinción, cierto distanciamiento en las figuras que hablan de su status social. Después de la muerte de Pisanello, Gonzaga elige a Mantegna porque tenía conocimientos de la pintura más antigua, romana especialmente. Hay algo ahí que habla de que Gonzaga a lo mejor se sentía como un emperador.O quería que se asociara con este estilo de pintura como que este Principado era una continuación de aquellos días romanos. Refinamiento y cotidianeidad. En la pintura se ve al duque Ludovico hablando a su hijo, el cardenal Francesco Gonzaga.


El poder, la familia pero cualquier familia sino una muy poderosa. La exaltación regia por encargo. La obra habla de un gran manejo de la perspectiva y a su vez lo que decíamos los perfiles de los personajes están trabajados al estilo romano, al estilo clásico. Cierto hieratismo, rigidez , un estilo más bien pétreo. Una bella obra de arte.

Análisis de " El ángel caído " de Alexander Cabanel

El ángel caído de Alexander Cabanel es una de las pinturas más interesantes y bellas que hay. La mirada del ángel en que se refleja todo el odio posible que uno pueda encontrar en una mirada. Mirada de rencor y de ira también. Pintura de 1868.


El ángel caído es alguien que ha sido perfecto pero ya no lo es. Ha perdido. "Ha perdido sus alas " ahora es algo común. Ha caído en desgracia. Haber perdido la perfección es volverse algo de menor cuantía. Ser imperfecto es toda una catástrofe para quien se considera a sí mismo lo mejor de lo mejor. No pertenece al Cielo, lo han echado de ahí.


Se nota que es bello, muy bello. Es musculoso.Se lo describe en la Biblia como muy inteligente, demasiado.Soberbio y orgulloso. Cabanel con una estética manierista describe de manera puntual todo eso que digo. Una acentuada perfección en la anatomía. El trabajo de la luz en los cielos por ejemplo donde se ve la legión de ángeles buenos.Arriba ellos y abajo la figura de Lucifer en tierra o en el abismo.



¿ Quién es el ángel caído ? Es Lucifer y ¿ A quién odia ?. A su creador, a Dios. Quiso competir con él, rivalizó y perdió. Complotó contra él y cayó. El arcángel San Miguel derrota a él y sus secuaces dice la Biblia en el Apocalipsis. Lucifer que significa "El que da la luz ", "El portador de luz " pierde eso y nada menos que su luz.


Lo que resalto , que me fascina es la parte de la mirada del ex ángel en la que llora pero a la vez contiene el dolor de perder (acordarse que es soberbio) pero también el odio a quien lo derrotó que es superior a él. Y lo fue siempre. O sea Dios. Esa mirada da miedo. De ahora en adelante "el lucero de la mañana " decae como tal y se convierte en el Jefe de los demonios, rey del Infierno.






Cabanel con su técnica prefigura el romanticismo, es academicista y posee influencia de los clásicos italianos pero también de Jean-Auguste-Dominique Ingres . Tuvo críticas por sus pinturas, en ese momento querían algo más realista, naturalista que se fijara en lo social. El artista fue maestro de entre otros: Jean-Joseph Benjamin-Constant,Charles Fouqueray, Aristide Maillol, Eugène Carrière...

Actualmente está obra está en exhibición en el Museo Fabre, en Montpellier Francia.

Anton Mauve (1838-1888)

Podríamos decir que gracias a Anton Mauve tuvimos al gran Vincent Van Gogh. No sería justo ni para Van Gogh ni para su maestro, el Sr. Mauve. Anton Rudolf Mauve nace en 1838 en Zaandam (Países Bajos )Muere en 1888 en Arnhem (también Paises Bajos).


Cuando se habla de Anton Mauve se dice que pertenece al Realismo holandés.



Una de las obras que me gusta del pintor es "Paseo de la mañana en la playa " (ver ilustración del post), una elegancia, una serenidad a su vez con un destello de melancolía eso para resumir esa obra. Qué belleza. Cuánta armonía y vuelo.La que me llamó la atención hoy es "Pastora con un rebaño de ovejas " a mí que me gusta lo rural, encantada. La obra de Mauve se caracteriza en general por esas pinceladas sobre el mundo rural, la presencia del mar, la elegancia de sus figuras sin quitar un ápice de su realismo.Más cerca aún del naturalismo en algunos de sus cuadros.



Más que leer sobre Mauve hay que ver su arte, acercarse a su estilo en búsqueda de retratar la Naturaleza, los animales, los pastores, la pintura al aire libre. Anton Mauve se instruye en sus primeros años con los pintores de Oosterbeek. Entonces se empieza a hacer conocido en los círculos del grupo de la Escuela de La Haya.Mucho antes de pequeño aprende dibujo con el pintor de animales Pieter van Os, y de Wouterus Verschuur también pintor de lo rural. También influyó en su pintura la obra de Camille Corot, paisajista. Corot, uno de los grandes paisajistas de la Escuela de Barbizon. Debido a esta influencia se decía que Mauve formaba parte de la Escuela de Barbizon holandesa.



Nota: Se casó con una prima de Vincent Van Gogh. Mauve siempre contó con la admiración y el agradecimiento de Van Gogh por haber sido su maestro.

Análisis Obra de Leonardo Da Vinci sobre Juan el Bautista

Juan Bautista señala el Cielo, apunta su dedo hacia arriba.LO hace de modo convincente. Está seguro que es así.Es un muy bello Juan Bautista


Dice Wikipedia que esta obra "es uno de los últimos cuadros del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, datado hacia 1508-1513, época en que el Alto Renacimiento estaba metamorfoseándose en el Manierismo. Está pintado al óleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y 57 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Paris" (Francia).

Esa sonrisa enigmática en el rostro de Juan El Bautista lo emparenta con otra sonrisa, la de la Gioconda.Esa sonrisa es irónica, es ambigua.

Tiene rizos en su cabello.Retratado en medio cuerpo.Es una figura entre femenina y masculina. Más femenina que masculina.Viste pieles y tiene una cruz hecha de junco.


"La enigmática sonrisa del profeta apunta, igual que su dedo, a la cruz que sostiene en alto. La intensidad personal de la figura, aislada mediante el foco de luz contra las sombras, lo dota de un atractivo singular que imitarán poco después los artistas del Barroco, como Caravaggio o Zurbarán. Casi por única vez en la obra de Leonardo, un fondo uniformemente oscuro ha sustituido a los proverbiales paisajes del maestro".Dice://isthar-mitologia.blogspot.com/


Según el presidente del Comité, Silvano Vinceti, la decisión de usar a “El Salai” como modelo representó un acto de crítica y una acusación contra la corrupción y degradación de la Iglesia Católica y su comunidad de seguidores.El Comité Nacional para la Valorización de Bienes Históricos, Culturales y Ambientales de Italia descubrió que el artista, Leonardo Da Vinci, utilizó a su discípulo preferido, Gian Giacomo Caprotti, también conocido como “El Salai”, como modelo para realizar el retrato de San Juan Bautista.

La obra fue hecha con la técnica del sfumato que permite crear un efecto vaporoso,nebuloso .El cuadro fue realizado con una paleta de colores muy reducida.

"Es el cuadro con más barniz de la colección del Louvre, tanto que su resultado ha sido que con el paso del tiempo se obscurezca a tal punto que, la cruz que lleva y la piel del animal con la que San Juan Bautista está vestido son prácticamente invisibles a los ojos. El restaurado consistirá en “aligerar” las 110 micras de barniz para poder devolverle legibilidad a la pintura.según "https://www.arteallimite.com


No es la primera vez que Leonardo Da Vinci pinta a Juan el Bautista, predilección, devoción ??, vaya a saber. Es un tema para descifrar y escribir.










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Análisis de la obra "La pesadilla " de Henry Fuseli

Hay pinturas, relatos que dan miedito y MIEDO. La obra " La pesadilla " de Henry Fuseli te da pavor. Y a la vez aporta misterio, preguntas. Johann Heinrich Füssli es el verdadero nombre del pintor. Era de origen suizo pero para que resultara más fácil su nombre en Inglaterra, donde vivió, le pusieron Henry Fuseli. Esta obra de Fuseli tuvo varias versiones. El pintor, su estilo, sus temas relacionados con lo oscuro, lo demoníaco, el mal, etc. fueron inspiración para los surrealistas y su búsqueda con el tema de los sueños y el inconsciente.



Siempre ante el misterio hay preguntas, hay interrogantes. No siempre tienen respuestas. Toda pesadilla es fuerte, potente y creemos que no podemos salir de ella hasta que nos despertamos.


Un íncubo según Wikipedia "... (del latín Incubus, in, 'sobre' y cubare, 'yacer', 'acostarse') es un demonio, en la creencia y mitología popular europea de la Edad Media que se supone se posa encima de la víctima femenina durmiente, para tener relaciones sexuales con quien duerme..."


Decía que en el cuadro de Fuseli hay un íncubo posado sobre el cuerpo de una mujer que duerme. Una mujer que está totalmente dormida al punto que la mitad de su cuerpo cae sobre el costado de la cama. Un sueño profundo, la presencia del demonio es la señal que la mujer tiene una pesadilla. El demonio aparece en los sueños eróticos, en el tarot el demonio tiene que ver con la lascivia, la lujuria. Nuestra amiga del cuadro sueña con algo con connotaciones sexuales. Ella está totalmente entregada lo dice la postura corporal, el demonio nos mira con una jactancia ,con una seguridad, una robustez que parece decir "yo puedo sobre ella " parece decir. En la punta de la cama observamos un caballo feo, fantasmal, maléfico parece ciego que sin embargo parece contemplar la escena Es más agrego la mujer casi está muerta, el íncubo tipo vampiro le ha robado su ser. La mujer es uno de los prototipos de las mujeres románticas. No sé porqué me hizo acordar a Marguerite Gautier de "La dama de las camelias". Ese desvanecimiento casi de enferma o semi muerta.Es muy linda, se nota.


Es una obra muy teatral, muy decadente, romántica ver parte de los lineamientos románticos: la oscuridad, el terror, el misterio, lo gótico.


Decimos que ésto es lo que pasa en el sueño terrible/pesadilla de la mujer. Pero no sabemos totalmente que pasa ¿ Está exhausta ella ?. Cuando despertamos de un sueño lindo o pesadilla a veces es poco lo que nos acordamos. Y enseguida nos olvidamos. Dicen que inmediatamente de despertarnos hay que anotar lo que soñamos. Que los sueños lindos o pesadillas tienen significado. Los sueños que tenemos nos vienen a decir algo o reflejan nuestros terrores cotidianos.En las pesadillas nos sentimos mal, el pecho está como oprimido, respiramos mal, gritamos, nos movemos mucho, el corazón y el pulso están acelerados. Y además sentimos que no podemos movernos, que somos incapaces de escaparnos de eso que estamos "viviendo".

La mujer es el objeto de deseo del íncubo. La mujer real sería Anna Landoldt, sobrina del amigo de Fuseli, Johann Caspar Lavater.El pintor estaba muy enamorado de ella. En el reverso del cuadro figura una composición titulada Retrato de una mujer joven quien sería Anna.


Hay una contraposición de luz/oscuridad en el cuadro. Mientras tenés a la mujer que es la luz, el íncubo es oscuridad. Los ojos del caballo son diabólicos. Lo central es esa figura de mujer que acapara toda la luz del cuadro.

Esta obra de Fuseli también es conocida también como "El íncubo ", obra del año 1781.La inspiración del cuadro sería alguna de estas obras:Sueño de Hécuba de Giulio Romano o Sueño de Rafael, de Marcantonio Raimondi.


"Fuseli dijo que “una de las regiones más inexploradas del arte son los sueños y lo que puede denominarse la personificación de los sentimientos”. La pesadilla consagró a Fuseli como el pintor de lo extraño, lo sobrenatural y lo pasmoso. Corrían rumores de que consumía láudano o carne de cerdo crudo para cenar con el propósito de provocarse pesadillas." según EcuRed. https://www.ecured.cu


"Un Mare o Nightmare es un espíritu o duende en el folklore alemán que cabalga sobre el pecho de las personas mientras duermen, provocando malos sueños o pesadillas. El Mare es similar al Súcubo o al Incubo, y probablemente está inspirado por la parálisis del sueño." según Ares Cronida. https://arescronida.wordpress.com/


Mi interpretación es que como Fuseli no pudo realizar su sueño de amor con Anna Landoldt porque ella lo rechazó (ella ya estaba comprometida) la terminó poseyendo en el sueño como íncubo. El deseo no obtenido tiene ramificaciones raras y a veces oscuras.

Lo principal ...ser primeramente un individuo..., Paul Klee

“Lo principal no es comenzar a pintar precozmente, sino ser primeramente un individuo. El arte de dominar la vida es el requisito previo para todas las demás formas de expresión, ya sean pinturas, esculturas, tragedias, o composiciones musicales”.

Paul Klee


El post se ilustra con la obra del pintor Paul Klee

Muestra de William Turner en Buenos Aires

William Turner (1775-1851) el pintor inglés, para mí uno de los maestros sabios en el manejo de la luz. Eso te queda claro apenas ves una obra del citado artista. Y los navíos y el mar. La potencia del mar.Belleza de obra sin dudas.

Turner tiene ahora su muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473).La exposición se llama "J. M. W. Turner. Acuarelas", que reúne, por primera vez en la Argentina, 85 acuarelas del gran pintor inglés, pertenecientes a la Tate Collection. Las piezas de esta muestra, que cuenta con la curaduría de David Blayney Brown (de la Tate), comprenden obras en papel y cuadernos de bocetos. afirma , curador de la muestra.



A Turner se le considera como uno de los fundadores de la pintura paisajística inglesa a acuarela.El artista es considerado el pintor más importante de la historia de Gran Bretaña.Si bien muchos de los grandes pintores pasaron por épocas económicas difíciles (y se los reconoció como importantes luego de su muerte) lo de Turner no fue así fue un artista valorado en vida y su obra tuvo éxito comercial.Pintor embarcado plenamente en el romanticismo y prefiguró el impresionismo. En sus acuarelas expone la fuerza de la Naturaleza sobre la vida de los hombres. En general son obras que generan impacto visual por que en sus paisajes se enfoca en tormentas, cielos alborotados, mar encrespado.También pintó los inicios de la industrialización de su país.En su última etapa como pintor le da más importancia al uso de colores en su obra y una concepción más serena de la Naturaleza desembocando en paisajes donde predominan amaneceres y atardeceres soñados y multicoloridos. Efectos en el agua que pinta.El sol que sale , que huye en el horizonte y esa luz tan única, tan Turner.


La exhibición de las acuarelas de Turner podrán verse hasta el 17 de febrero de 2019 en el MNBA, Av. del Libertador 1473.

" Madonna " de Edvard Munch. Análisis

Hay varias versiones de "Madonna " esta magnífica obra de Edvard Munch. Encontré un par pero elegí ésta en la que no se ve el feto, el bebé esqueleto. Edvard Munch, pintor noruego, la pintó en 1894 aproximadamente.



La "Madonna" de Edvard Munch tiene una actitud de estar más allá, más allá del dolor ,del amor, de la alegría, de lo cotidiano. Es como un gesto de "hagan lo que quieran ".



Es bella,no es una mujer cualquiera , Munch la autotitula "Madonna " le da una jerarquía. ¿ Es una virgen ? tiene una especie de corona roja sobre sus largos cabellos oscuros. Es una mujer especial pero a la vez como fuera de todo. Munch rompe con el significado clásico de lo que es una virgen. Una señora que en este caso parece haber perdido su hijo, hay un feto abajo al costado.Un bebé en esqueleto.


Su cuerpo es magnífico, un cuerpo que se deja estar, entregado. Es inquietante, es sensual, es misteriosa...Pero no es el cuerpo de una mujer satisfecha sino de una sexualidad que no pudo ser, que tal vez no sea. Pero eso está más allá de la decisión de ella.No hay una sonrisa de satisfacción en ese rostro, no hay felicidad. Hay belleza en la pintura, una belleza importante de una mujer con su cuerpo desnudo pero... Hay muchos elementos eróticos en la pintura, los cabellos, el abdomen generoso, los labios de la mujer, la pose de los brazos, el halo rojo, todo el desnudo completo, como si ella se estuviera ofreciendo. Ella está triste pero a la vez triunfa en ella la Vida, el deseo ??.


El halo rojo y el halo blanco. El rojo es pasión, sexualidad. Pero también es Muerte. El blanco es pureza, lo celestial. La Madonna de Munch tiene un halo rojo.


Resalta ese cuerpo luminoso como una luz.Ella es una luz pero detrás hay sombras, la rodean las sombras, los problemas ???.Es la muerte del bebé ??, las sombras se ciernen sobre una mujer que quiere volver a ser mujer y no madre ??. Herejía pura. La mujer devora a la madre que iba a ser, la Madonna por primera vez no tiene un hijo sino deseos o cancelación de esos deseos.


La Madonna es la Vida y el bebé esqueleto es la Muerte ??.En el cuadro original la Madonna estaba rodeada además de espermatozoides. Al parecer a este cuadro no se lo encuentra ya.


Munch veía a la mujer como una representante de la tentación, el hombre era débil. Y la mujer fluctuaba entre un vampiro y un ser "angélico". Madre, primero mujer, un enigma para los hombres. Un ser mitad Infierno mitad Cielo.



Hay quienes ven en esa entrega de la mujer que está teniendo un orgasmo , otros que esa profunda entrega es la concepción misma.


La modelo es Dagny Juel. Dice Encarna Lorenzo en el blog Ateneas " Dagny se convirtió en su modelo. Aparece en cuadros tan esenciales como Cenizas, Celos, El pecado, Muerte en la habitación del enfermo y, sobre todo, en la Madonna, que pinta en 1894. El atractivo magnético que irradiaba esta mujer fatal era debido a su desinhibición total. Bebedora imbatible de absenta y apologista del amor libre, sedujo primero a Strindberg y después a Munch con su aura oscura. La llamaban Aspasia, como la inteligente y culta hetaira con la que se casó Pericles ".


En general la obra de Edvard Munch expresa desesperación, miedo, pánico, horror, tristeza. No es una pintura alegre sino que manifiesta claramente la tristeza. Es pintura expresionista.

Algunas obras de Edward Hopper

Edward Hopper es un voyeur. Un vigía de lo silenciosa que puede ser una ciudad también fantasmal.Más allá de las ventanas, vidrieras ¿ Hay algo ?. Demasiado silencio, demasiada soledad. eso parecen decir las obras de Hopper. Gente que espera no se sabe a quien, a quienes. Cada persona es una isla, todos están solos. Hay mucha melancolía, hay una definitiva singularidad que a veces aguarda por una pluralidad fantasma y otras se da vencida definitivamente. Y rumea sola/solo en su círculo concéntrico de aislamiento.Piensan demasiado, están demasiado concentrados, abstractos.Y son frágiles, vulnerables en tanto y en cuanto alguien no vendrá, alguien no llegará a tiempo, alguien no los espera o alguien no traspasará la puerta. La frialdad llega y uno no sabe si llega de los otros o del afuera. O del glacial que uno se consigue por dentro.¿ Cómo sabemos que esperan o están tristes los personajes de Edward Hopper?. Los hombros vencidos de unos, los hombros expectantes de otros, la mirada al vacío, al infinito, al vacío de otros. Los que están en un tren ¿ van para algún lado ? O sólo están en un transporte que no los lleva a ninguna parte ??

Lo contemporáneo es de a uno parece decir Hopper. La incomunicación establece relaciones con la Nada. La ausencia se establece en el lugar como una herida imposible de cerrar.No se puede tener certeza del otro, del que vendrá. A lo mejor es sólo una espera, lo terrible es esperar de día y que nos llegue la noche. La noche puede ser fantasmal iluminada por dentro, con luces artificiales.Estamos acompañados por otros que son tan fantasmas como nosotros. Afuera ¿ Quién sabe ?. Afuera está demasiado oscuro.Y aunque hay LUZ. Ésta es solo fachada no acompaña apenas nos lleva a pensar en un desierto iluminado que no es mejor que este interior desolado.

Ibrahim el-Salahi

Es de Sudán, nació en 1930.Se llama Ibrahim el-Salahi.Es pintor, actualmente vive en Oxford.Posteo algunas de sus obras, son magníficas. Una de sus obras "Lo inevitable" (no es de las que publico acá)está considerada "el Guernica sudanés ".

El artista se formó en la Slade School de Londres pero también en la Escuela de Diseño del Gordon Memorial College (hoy Universidad de Jartum).Estudió fotografía en Columbia.


Fue político, diplomático,etc.En su país mientras tenía un cargo político fue acusado injustamente y encarcelado. Esa experiencia en prisión, terrible experiencia de aislamiento, torturas le sirvió para expresar en su obra esa anomia, esa fragmentación del ser.


Su obra es modernista pero va más allá , es internacional y local porque abreva del país, las tradiciones de Nubia y de los coptos y es universal porque el tema del sufrimiento se da en todas partes así también como la esperanza de paz. En Sudán colocó en sus obras caligrafía y elementos de la cultura islámica (él es sufí).Su padre fue un profesor de la materia religión islámica.Estos símbolos luego se transformaron en animales, seres humanos y formas vegetales.Modernismo africano, abstracción, surrealismo esas son las claves de su obra. La tierra, los elementos naturales, el hombre...Su pintura primero más colorista derivó en el blanco y negro como elección personal del artista.

En 2013 hubo una importante exposición de la obra del pintor en la Tate Modern en Londres.Este año siete obras de artistas de origen islámico se instalaron en el MoMA,Museo de Arte de Nueva York, como un acto en contra de las políticas migratorias de Donald Trump.Uno de esos artistas que expusieron en el museo es Ibrahim el-Salahi.

Cuando uno observa sus cuadros, sus figuras, sus trazos se da cuenta de la importancia y la belleza del arte africano, la influencia en otros artistas como Picasso y Braque.

Christian Schloe

Christian Schloe es una artista austríaco. Cuyas obras son magníficas, surrealistas, plenas de fantasía y buen gusto, me encantan.

Acá posteo un par pero busquen sus imágenes porque son una más linda que la otra. Su obra está en Facebook también.Arte digital que combina con pintura,fotografía, etc.Comercializa su obra también en objetos cotidianos: funda de celulares, fundas de almohadas, etc.


Su arte, su estilo posee serenidad, una belleza asentada en la armonía. Muchas aves, jóvenes perfectas, algunas más románticas, otros rostros más cercanos al Renacimiento, hay una influencia de Max Magritte por ahí...Pajarillos, mariposas, plantas, agua, barcos...Una auténtica maravilla.


Mundo de sueños, mucho simbolismo y poesía, el arte de Christian Schloe.