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domingo, 5 de agosto de 2018

" Madonna " de Edvard Munch. Análisis









Hay varias versiones de "Madonna " esta magnífica obra de Edvard Munch. Encontré un par pero elegí ésta en la que no se ve el feto, el bebé esqueleto. Edvard Munch, pintor noruego, la pintó en 1894 aproximadamente.



La "Madonna" de Edvard Munch tiene una actitud de estar más allá, más allá del dolor ,del amor, de la alegría, de lo cotidiano. Es como un gesto de "hagan lo que quieran ".



Es bella,no es una mujer cualquiera , Munch la autotitula "Madonna " le da una jerarquía. ¿ Es una virgen ? tiene una especie de corona roja sobre sus largos cabellos oscuros. Es una mujer especial pero a la vez como fuera de todo. Munch rompe con el significado clásico de lo que es una virgen. Una señora que en este caso parece haber perdido su hijo, hay un feto abajo al costado.Un bebé en esqueleto.


Su cuerpo es magnífico, un cuerpo que se deja estar, entregado. Es inquietante, es sensual, es misteriosa...Pero no es el cuerpo de una mujer satisfecha sino de una sexualidad que no pudo ser, que tal vez no sea. Pero eso está más allá de la decisión de ella.No hay una sonrisa de satisfacción en ese rostro, no hay felicidad. Hay belleza en la pintura, una belleza importante de una mujer con su cuerpo desnudo pero... Hay muchos elementos eróticos en la pintura, los cabellos, el abdomen generoso, los labios de la mujer, la pose de los brazos, el halo rojo, todo el desnudo completo, como si ella se estuviera ofreciendo. Ella está triste pero a la vez triunfa en ella la Vida, el deseo ??.


El halo rojo y el halo blanco. El rojo es pasión, sexualidad. Pero también es Muerte. El blanco es pureza, lo celestial. La Madonna de Munch tiene un halo rojo.


Resalta ese cuerpo luminoso como una luz.Ella es una luz pero detrás hay sombras, la rodean las sombras, los problemas ???.Es la muerte del bebé ??, las sombras se ciernen sobre una mujer que quiere volver a ser mujer y no madre ??. Herejía pura. La mujer devora a la madre que iba a ser, la Madonna por primera vez no tiene un hijo sino deseos o cancelación de esos deseos.


La Madonna es la Vida y el bebé esqueleto es la Muerte ??.En el cuadro original la Madonna estaba rodeada además de espermatozoides. Al parecer a este cuadro no se lo encuentra ya.


Munch veía a la mujer como una representante de la tentación, el hombre era débil. Y la mujer fluctuaba entre un vampiro y un ser "angélico". Madre, primero mujer, un enigma para los hombres. Un ser mitad Infierno mitad Cielo.



Hay quienes ven en esa entrega de la mujer que está teniendo un orgasmo , otros que esa profunda entrega es la concepción misma.


La modelo es Dagny Juel. Dice Encarna Lorenzo en el blog Ateneas " Dagny se convirtió en su modelo. Aparece en cuadros tan esenciales como Cenizas, Celos, El pecado, Muerte en la habitación del enfermo y, sobre todo, en la Madonna, que pinta en 1894. El atractivo magnético que irradiaba esta mujer fatal era debido a su desinhibición total. Bebedora imbatible de absenta y apologista del amor libre, sedujo primero a Strindberg y después a Munch con su aura oscura. La llamaban Aspasia, como la inteligente y culta hetaira con la que se casó Pericles ".


En general la obra de Edvard Munch expresa desesperación, miedo, pánico, horror, tristeza. No es una pintura alegre sino que manifiesta claramente la tristeza. Es pintura expresionista.




sábado, 21 de julio de 2018

A propósito de un cuadro de Egon Schiele











"The lovers" de Egon Schiele, obra de 1909.Es una pintura expresionista. Es una obra de los comienzos en el arte del pintor.



La obra de Schiele en general es Eros puro. Cuerpos desnudos y sin pudor. Muchas veces chocantes, viejos, casi deformados en sus poses. Pero "Los amantes " es belleza pura.



Ambos están tan compenetrados, tan absortos en sí mismos que nada en este mundo podría llamar la atención de estos amantes. Hay una profunda conexión entre ambos. Están relajados el uno con el otro. El lenguaje corporal es claro, se conocen mucho, hay un diálogo íntimo y de serenidad entre ellos. No es una pose tensa sino todo lo contrario, lo corporal dice mucho de esta relación. Son más que amantes transitorios, se aman...


Están desnudos y están relajados en ese despojamiento de la ropa.Los amantes están fundidos en un bloque no diferenciado. Pero...la diferencia más notoria diría es que ella está más pensativa mientras que él es pura confianza en ella.



Hay un detalle muy importante, la pierna (está más marcada no es trazo es dibujo consistente )de ella que soporta su propio cuerpo y el de su amante. Ahí se rompe la armonía ¿ Ella está soportando demasiado peso ?. ¿ Ella lleva toda su pareja encima ?. Él se apoya en ella y no al revés.Ella es pura fuerza y sostén. Ella es el pilar pero él es el cerebro, es más frío.



Se dice que en toda relación hay uno que sostiene más que el otro, que tolera más, que perdona más, qué ama más ???.







lunes, 16 de julio de 2018

Francesca Woodman





























Francesca Woodman es una de mis fotógrafas preferidas. Todo fotógrafo tiene un recorte del mundo, de lo que ve. Y la edición del mundo que hace Woodman a mí me genera sólo belleza y creatividad.


Francesca Woodman nació en Denver, Colorado un 3 de abril de 1958. De Aries, signo maravilloso si los hay. Creció en una familia creativa también por lo que no podía ser sino otra artista más.



Pura poesía sus fotografías donde explora su relación con el espacio. Formas fantasmales y en fuga circulan en su obra. Espejos, puertas, escondrijos, sillas todo servía para mostrarse y para difuminarse. Borrón y fotografía del alma. Dotadas a la vez de lo angelical y de lo sensual, sus fotografías sorprenden porque era muy joven.


Aérea, materia,fugacidad de la materia,escondite de qué ?.Tal vez las fotografías donde se presenta más corpórea es donde es menos ella. Ya que por toda su obra vemos esa tendencia a no ser, a estar fragmentada, sin rostro muchas veces. Tal vez su objetivo era evocar no representar . Lo visceral se aúna con lo urgente. Como si supiera que no iba a vivir mucho.Mucho simbolismo, romanticismo y surrealismo. Imágenes que surgen de algún sueño, soñamos o es ésta la plena realidad. Disociación, armonía y pluralidad de vínculos para ir descifrando e interpretando con respeto y amor por la artista.



Luz y misterio. Lo gótico y lo erótico. Le gustaba lo dark y lo usaba para su obra. Hay que decir y lamentar profundamente su partida tan pronta. Cuánto podría haber dado esta enorme fotógrafa al arte y sus seguidores. Cuánta belleza que se quedó en su gesto suicida.


Selfie o ant selfie su obra es profundamente pertubadora, de una originalidad que te conmueve y te saca de la pasividad y te invita a la contemplación activa de un mundo pleno de belleza y misterio.



Influencias: Max Klinger, Duane Michals en su obra. Y Nan Goldín y Cindy Sherman bebeieron de la obra de Woodman.



Murió a los 22 años. Se suicidó debido a una fuerte depresión.



viernes, 23 de febrero de 2018

Acercarse..., John Berger











"Acercarse significa olvidar la convención, la forma, la razón, las jerarquías y el propio yo. Sin un acercamiento total, el cuadro no tiene vida concluye".

John Berger

miércoles, 25 de octubre de 2017

Muestra "México moderno:Vanguardia y revolución" en el MALBA








Desde el 3 de noviembre y hasta el 19 de febrero de 2018 el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) presenta: México moderno. Vanguardia y revolución, exhibición que traza el desarrollo de las diferentes propuestas estéticas modernistas que tuvieron lugar durante la primera mitad del siglo XX en México.

Bajo la curaduría de Victoria Giraudo, del Malba, Sharon Jazzan y Ariadna Patiño Guadarrama del Museo Nacional de Arte, (Munal), la muestra integra más de 170 piezas emblemáticas de más de 70 artistas, incluyendo a los más grandes maestros del período: Frida Kahlo, Diego Rivera,Remedios Varo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros,Ángel Zárraga, Francisco Goitia,María Izquierdo, Leonora Carrington, entre otros.

Esta muestra intenta poner en relieve la fuerza y la solidez del período moderno en México, en el que lo folklórico –que persiste desde épocas precolombinas y es parte indisoluble de la vida cultural del país– se volvió un sello identitario.Hubo reelaboración de los movimientos modernistas y de vanguardia pero se incorporan elementos de la cultura local, total mexicanidad. En los artistas mexicanos de la muestra hay temáticas indigenistas, costumbres, festividades locales,sincretismo religioso, los artistas de entonces quieren mostrar los conflictos de clase, están comprometidos con la política (caso Frida Kahlo y su relación con León Trotsky).

La muestra gira en torno al modernismo, el surrealismo, los muralistas, la cultura popular, la revolución social.

Organizada junto al MUNAL, Museo Nacional de Arte (México)


Una bella oportunidad para conocer a los grandes pintores mexicanos.

México moderno. Vanguardia y revolución, desde el 03.11.2017 al 19.02.2018, en Malba, Av. Figueroa Alcorta 3415. Días y Horarios: Jueves a lunes: 12:00 a 20:00. Miércoles: 12:00 a 21:00. Martes: cerrado. Feriados: Abierto de 12:00 a 20:00, excepto los días martes.



miércoles, 18 de octubre de 2017

La perla está oculta ..., Louis Cattiaux







"La perla está oculta en el Abismo y el sol permanece en la perla "


Louis Cattiaux de "El mensaje reencontrado"

Este post se ilustra con el arte de Louis Cattiaux "El árbol de la Vida "

domingo, 15 de octubre de 2017

Imogen Cunningham


















Imogen Cunningham fue una fotógrafa estadounidense nacida en Portland, Oregon, en 1883.Cunningham decidió ser fotógrafa en 1901, influenciada por la fotógrafa norteamericana Gertrude Kasebier. En 1907 se graduó en Química en la Universidad de Washington con una tesis sobre el proceso químico de la fotografía. Trabajó como asistente en el estudio fotográfico de Edward Curtis y en 1909 se trasladó a Alemania para estudiar en la Technische Hochschule de Dresde.

Más sensualista que pictorialista Cunningham fue una pionera en fotos de cuerpos masculinos desnudos, retratista, enamorada de lo nítido, de lo natural, de la botánica. Retrató a Frida Kahlo, a Marta Graham, Cary Grant,Spencer Tracy, a otros grandes de la fotografía como Edward Weston...


En 1932 fundarían, junto a otros fotógrafos como Ansel Adams, el grupo f/64.Grupo que adhería a las fotografías más nítidas, directas y cotidianas.Cunningham fue colaboradora de la revista "Vanity Fair".Falleció el 23 de junio de 1976 a los 93 años.

domingo, 8 de octubre de 2017

Ibrahim el-Salahi






















Es de Sudán, nació en 1930.Se llama Ibrahim el-Salahi.Es pintor, actualmente vive en Oxford.Posteo algunas de sus obras, son magníficas. Una de sus obras "Lo inevitable" (no es de las que publico acá)está considerada "el Guernica sudanés ".

El artista se formó en la Slade School de Londres pero también en la Escuela de Diseño del Gordon Memorial College (hoy Universidad de Jartum).Estudió fotografía en Columbia.


Fue político, diplomático,etc.En su país mientras tenía un cargo político fue acusado injustamente y encarcelado. Esa experiencia en prisión, terrible experiencia de aislamiento, torturas le sirvió para expresar en su obra esa anomia, esa fragmentación del ser.


Su obra es modernista pero va más allá , es internacional y local porque abreva del país, las tradiciones de Nubia y de los coptos y es universal porque el tema del sufrimiento se da en todas partes así también como la esperanza de paz. En Sudán colocó en sus obras caligrafía y elementos de la cultura islámica (él es sufí).Su padre fue un profesor de la materia religión islámica.Estos símbolos luego se transformaron en animales, seres humanos y formas vegetales.Modernismo africano, abstracción, surrealismo esas son las claves de su obra. La tierra, los elementos naturales, el hombre...Su pintura primero más colorista derivó en el blanco y negro como elección personal del artista.

En 2013 hubo una importante exposición de la obra del pintor en la Tate Modern en Londres.Este año siete obras de artistas de origen islámico se instalaron en el MoMA,Museo de Arte de Nueva York, como un acto en contra de las políticas migratorias de Donald Trump.Uno de esos artistas que expusieron en el museo es Ibrahim el-Salahi.

Cuando uno observa sus cuadros, sus figuras, sus trazos se da cuenta de la importancia y la belleza del arte africano, la influencia en otros artistas como Picasso y Braque.

jueves, 21 de septiembre de 2017

Frida Kahlo en pensamientos





Hermana del alma, que mujer no se ha sentido representada con esta artista genial. Hay que saber extraerle a la vida placer, arte, sabiduría, ganas, cuando te pasan todas las cosas que le pasaron a Frida Kahlo, hoy quiero homenajearla en un par de pensamientos suyos...


Sobre Diego Rivera ,no entiendo que le vió pero el amor es ciego...y seguro que la errada soy yo, Rivera era un gran pintor y un gran infiel, detalle que me parece patético para un hombre. Frida Dijo sobre él:

"Yo sufrí dos accidentes graves en mi vida", dijo una vez Frida, "uno en el que un autobús me tumbó al suelo… el otro accidente es Diego".

Sobre el arte:

“Nunca pinte sueños, pinte mi propia realidad”

"No sé si mis pinturas son o no surrealistas pero, lo que sí estoy segura es que son la expresión más franca de mi ser", Frida escribió una vez.


Sobre sus penurias físicas:

"No estoy enferma, estoy rota"


Sobre la belleza y las mujeres:


"Y tú bien sabes que el atractivo sexual en las mujeres se acaba voladamente, y después no les queda más lo que tengan en su cabezota para poderse defender en esta cochina vida del carajo".


Sobre México:

"México está como siempre, desorganizado y dado al diablo, sólo le queda la inmensa belleza de la tierra y los indios. Cada día lo feo de los Estados Unidos le roba un pedazo, es una tristeza, pero la gente tiene que comer y no hay más remedio que el pez grande se coma al chiquito". (carta al Dr. Leo Eloesser)

Sobre su alcoholismo:

"Bebo para olvidar, pero ahora... no recuerdo el qué".

"Doctor, si me deja tomarme este tequila, le prometo no beber en mi funeral"


Sobre la muerte:

Espero que la salida sea alegre y espero no volver jamás". (Últimas palabras escritas en su diario).



miércoles, 20 de septiembre de 2017

I have nature and art ...Vincent Van Gogh








"…and then, I have nature and art and poetry and if that is not enough, what is enough ? "

Vincent van Gogh


Post ilustrado con "Iris " de Vincent Van Gogh

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Christian Schloe
















Christian Schloe es una artista austríaco. Cuyas obras son magníficas, surrealistas, plenas de fantasía y buen gusto, me encantan.

Acá posteo un par pero busquen sus imágenes porque son una más linda que la otra. Su obra está en Facebook también.Arte digital que combina con pintura,fotografía, etc.Comercializa su obra también en objetos cotidianos: funda de celulares, fundas de almohadas, etc.


Su arte, su estilo posee serenidad, una belleza asentada en la armonía. Muchas aves, jóvenes perfectas, algunas más románticas, otros rostros más cercanos al Renacimiento, hay una influencia de Max Magritte por ahí...Pajarillos, mariposas, plantas, agua, barcos...Una auténtica maravilla.


Mundo de sueños, mucho simbolismo y poesía, el arte de Christian Schloe.

sábado, 17 de junio de 2017

Me gusta la palabra creer..., Marcel Duchamp








"Me gusta la palabra creer. En general, cuando alguien dice yo sé, no sabe, cree. Yo creo que el arte es la única forma de actividad por la que el hombre se manifiesta en cuanto individuo. Sólo por ella puede superar el estadio animal, porque el arte desemboca en regiones que no dominan ni el tiempo ni el espacio. Vivir es creer -al menos esto es lo que yo creo."

 Marcel Duchamp

domingo, 21 de mayo de 2017

Si al mirar una pintura..., Juan Gris









"Si al mirar una pintura destaca con más fuerza la escuela a la que pertenece que la pintura misma, no le auguro nada bueno a esa pintura".

Juan Gris


Pintura de Juan Gris ilustra el post y se llama "Naturaleza muerta frente a ventana abierta, Place Ravignan "

martes, 13 de diciembre de 2016

Vestal , pintura de Arnold Böcklin









Siempre me impactó esta pintura, soy muy sensible a todo, y esta pintura me dijo tantas cosas, se llama Vestal y pertenece al pintor suizo Arnold Böcklin.

¿ Qué digo de ella ?. Que se trata de un retrato de una mujer apasionada , que se impone el silencio, el recato, que elige la clausura de su cuerpo ¿ Por qué ?. No se sabe. Es tan misteriosa, tan severa, parece una figura de una mujer del Islam.


Una vestal es una mujer dedicada a la devoción de un dios según tengo entendido en la literatura latina. Conservan el fuego sagrado y son vírgenes. Son elegidas , jóvenes , bellas y perfectas.


La autodisciplina, el celibato puede ser tan erótico como el Eros mismo. Esta pintura es de una belleza arrebatadora porque es inquietante, perturbadora y esa vestalidad no es celestial.

jueves, 24 de noviembre de 2016

Cindy Sherman, escandaliza que puedes














Cindy Sherman es una fotógrafa norteamericana que conjuga también en su arte su vocación pintora de sus comienzos. Su arte es para shockear, hacer pensar, sacudir al espectador...Hay mucho de juego en sus fotografías, de disfraces, de disfraces sobre disfraces, las múltiples capas que podemos tener, las máscaras de las que disponemos para ser en nuestra cotidianeidad, algunas de ellas nos horrorizan viendo las fotografías/pinturas de Cindy Sherman.La artista nació en 1954 en New Jersey, Estados Unidos.


Sherman se maquilla, se transfigura, se vuelve un clown, una mujer golpeada, una virgen del Renacimiento, una millonaria decadente y excesivamente pintada, etc.Apela al humor más cáustico, el sarcasmo. La desfiguración, el desarme del mito, del ícono...Algunas de sus fotografías son como para una película de terror, no puedes dormir después, apuesto a que no.


La belleza, la maternidad, la codicia, la sexualidad se caricaturizan y expresan lo que expresan. En un intento creo yo de desarmar los conceptos estereotipados con los que vemos las cosas. En realidad parece decirnos Sherman esta realidad puede ser aún más dura, más fea, más imperfecta de lo que creemos.


Arte que provoca, choca, que es teatral, no es el tipo de arte que más me gusta para nada, pero es un arte valiente, original, fresco, inteligente.Si vos me preguntás si yo compraría sus fotos , pocas compraría , pero reconozco lo grande que es como artista, no puedo dejar de valorar su esfuerzo por hacer del arte algo vivo y espectacular.


La mujer es puesta bajo el foco de Cindy Sherman ( a través de ella misma) y no es lindo el comentario, no es lindo el resultado, somos como marionetas, como muñecas sexuales usadas hasta el infinito, mujeres con prótesis, mujeres infantiles, mujeres millonarias , frías que no tienen más que sus millones, etc.


Series fotográficas: Algunas de las más destacadas: Society Portraits (Retratos de Sociedad), Sex Pictures (Imágenes Sexuales), Disasters y Fairy Tales (Desastres y Cuentos de Hadas) o History Portraits (Retratos históricos). Pero su trabajo fundamental se encuentra en el clásico Untitled Film Stills (Fotogramas Sin Título) y su corolario Rear Screen Projections (Proyecciones Retro-proyectadas, " Centerfolds ", etc.

La artista tuvo una gran exposición de su obra en el MOMA , en 2012.

domingo, 26 de junio de 2016

Mi recuerdo para Nicolás García Uriburu








Siempre lo quise mucho, siempre me pareció un ser maravilloso, tiene que haberlo sido, un ser tan enamorado de la naturaleza, de lo verde tan afín a mí tiene que haber sido bueno, la otra vez oí que una figura del espectáculo habló muy bien de él ,lo conocía de cerca. Me enteré como murió y me saltaron las lágrimas, murió apoyado en el árbol de su edificio, en Aguado y Mariscal Castilla. Se debe haber sentido muy mal y eligió morir así... Hermoso Nicolás, hermoso gesto el tuyo.Lo entiendo tan perfectamente (almas afines) porque soy de abrazar a árboles que han talado y que quedan en la vereda, adoro los árboles.La sensibilidad de un artista hasta en su final. Recuerdo cuando cubriste el canal de Venecia con tinta verde, sublime, sublime.Ahí te descubrí...Viva el arte, viva el Verde, Viva la Naturaleza, cuidemos el Medio Ambiente

Nicolás García Uriburu: Nunca te olvidaré.


Mónica Pedraza

En la foto Nicolás García Uriburu con el artista Andy Warhol

Aclaro para los que no lo saben Nicolás García Uriburu era un gran pintor (hablaré de su obra en otros posts) y un ferviente defensor del medio ambiente.Últimamente tenía toda una batalla legal con su hija por su herencia, por eso me conmovió tanto su final, por que sé que eso apresuró su muerte y porque en definitiva se aferró a lo que profundamente amaba, la Naturaleza y que no le deparaba desencanto alguno.

domingo, 5 de junio de 2016

Remedios Varo (1908-1963)







Remedios Varo nació en España pero fue refugiada política mexicana durante 21 años.Es conocida por ser una de las más interesantes exponentes del movimiento surrealista. Conoció al jefe de ese movimiento, André Breton y se integró al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma..En sus obras, ella trataba de plasmar un mundo irracional y emotivo, una atmósfera íntima, un universo en donde las mujeres son, más que objetos del deseo. Lo más impresionante de esta artista es su capacidad para crear mundos mágicos, en los cuales la fantasía se proyecta e identifica; esos escenarios en los que los seres viven y crean desde su propia irrealidad y le dan vida a otras existencias particulares.Sus influencias en pintura: El Bosco, Bruegel, el Viejo entre otros también Goya.

Creó un universo fantástico de seres oníricos que habitan espacios misteriosos, donde existe una presencia femenina muy fuerte,figuras a veces solitarias, de ojos almendrados, apariencia andrógina, Varo se inspira en sí misma para pintar en especial las mujeres de su obra. La artista recurre a múltiples disciplinas para dar vida a su universo interior, mucho simbolismo, feminismo, una riqueza artística y espiritual de la que su muerte nos privó , en 1963 muere Remedios Varo en México.


La obra de esta pintora de principios de siglo, nacida en Anglés (Girona), se encuadra dentro del "Surrealismo mexicano tardío". Varo reúne en sus pinturas sus intereses: ciencias ocultas, alquimia, astronomía, biología, ingeniería, psicoanálisis, etc.

En su pintura "Armonía " la misma Remedios Varo dice acerca del personaje " El personaje está tratando de encontrar el hilo invisible que une todas las cosas ..." lo mismo podemos decir de ella, que fue una mujer sabia, sensible que encontró la llave del misterio, el hilo invisible del Universo...






miércoles, 11 de mayo de 2016

Yoko Ono, en junio próximo, en Fundación MALBA








A Yoko Ono se la asocia siempre con la mega figura de su esposo ,John Lennon, pocos saben que fue y es una artista vanguardista. Yoko ya era una figura de renombre en Londres, en 1966 cuando Lennon la conoció. Hay una gran exposición, en el mes de junio, en la Fundación MALBA.La exposición se llama "Dream come true". Es una muestra de arte conceptual y participativo contemporáneo que irá del 24 de junio al 31 de octubre. Los curadores son Agustín Pérez Rubio y Gunnar B. Kvaran.La muestra está compuesta por más de 80 trabajos, entre objetos, videos, films, instalaciones, sonidos y grabaciones producidos desde principios de los 60 hasta hoy. El eje de la muestra son los Instructions Pieces, que básicamente son Instructivos de pintura , para pintar.Y cómo es inquita hay instructivos para el cine, la danza y para la fotografía.En el marco de esa muestra Yoko Ono ha hecho la convocatoria " Arising/Resurgiendo " para las víctimas de violencia de género.

"Mediante esta convocatoria, la artista japonesa invita a las mujeres de América latina, de cualquier edad, a enviar una fotografía de sus ojos y un testimonio personal, en forma anónima, para ser parte de la instalación multimedia "Arising / Resurgiendo", que integrará la exhibición.

Hasta el 16 de octubre, las interesadas ya pueden ingresar en la web www.malba.org.ar/arising, completar los datos solicitados, y adjuntar el texto y la fotografía que serán parte de "Dream Come True" en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires." dice el parte de prensa del diario Ámbito Financiero.

Para entender lo de los instructions pieces :

"The instruction pieces have been printed in the different versions of her book of instructions, Grapefruit, and in book published by Weatherhill in 1995, Yoko Ono: Instruction Paintings.

In 1999, Yoko Ono created a new set of instruction paintings: Imagine, Yes, Touch, Fly, Breathe, Reach, Forget, Feel, Dream, Open, Remember. These new instruction paintings are linen canvases painted with single words such as Imagine and Feel." según dice la página oficial de Yoko Ono.


Yoko siempre fue más que la mujer de Lennon, fue mucho más que la mujer "fea" que los demás detestaban como compañía de un Beatle, le cargaban todo el peso de la ruptura del grupo, etc, etc. Maldades, tal vez una envidia sumaria si uno piensa que Ono-Lennon eran una dupla brillante artísticamente. Vanguardistas, rebeldes al sistema, politizados,sensibles, muy creativos ambos.

Su vida y obra:

Yoko Ono nació en Japón en 1933. Ono provenía de una familia tradicional japonesa, su papá era pariente de los emperadores japoneses, desde muy temprana edad Yoko recibió educación musical, pianística y vocal. Su padre era el que apoyaba su creatividad e inclinación por el arte mientras que su madre era una pintora , pero era distane con la niña.Por su capacidad fue admitida en la carrera de Filosofía de la universidad japonesa Gakushuin, una de las universidades más selectas de Japón y más tarde se licenció en poesía y composición contemporáneas en la universidad Sara Lawrence College.

En 1961 comenzó una carrera artística vinculado al arte conceptual y participativo, la música de vanguardia, los films experimentales y las performances que generaron interés por parte de personalidades como Peggy Guggenheim, Marcel Duchamp, entre otros.En 1964, publicó Pomelo [Grapefruit], su libro de instrucciones.

Después de la muerte de Lennon,Ono estuvo de duelo por varios años, y realizó varias producciones de música y video en relación a su estado de tristeza por la pérdida de su esposo. A partir de 1989 y en los años 90', volvió a participar en exposiciones intervenciones en espacio públicos y participaciones musicales.Su interés por internet, la convirtió en una de las primeras artistas que se interesó por usar ese recurso para exposiciones virtuales.

Feminista, creativa, sensible, pacificista. El arte de Yoko Ono es un arte para difundir mensajes de paz, de igualdad entre los sexos y de optimismo.

lunes, 9 de mayo de 2016

Liliana Maresca, la perturbadora







Hacía mucho que no hablaba de pintores o escultores , qué buena oportunidad para hablar de Liliana Maresca.

Tan intensa, tan vital, tan desestructurada, Maresca pertenece a esas mujeres que no son para este mundo, recortado, ridículamente reprimido, mujeres que son de un refinamiento salvaje , sí así como digo, que busca no tanto la trascendencia sino revolver, hacer revulsivas las respuestas, enloquecer de preguntas al espectador de sus obras.


Una especie de abre cerebros, vanguardista, subida de tono, sin prejuicio alguno, Liliana Maresca.

Bella, chamánica ¿ Quién no se enamoraría de esta super mujer ?. Su arte le venía de los ovarios, surrealista, arte subversivo, arte que le escapa a los cánones del arte clásico.

Transgresora, rebelde , pasó por la maldita dictadura (Nació en 1951), pero su arte se consolida entre los años 80' y 90'.

Sus desnudos le servían para llamar la atención sobre un punto en particular: si la utilización del cuerpo fue y es bastardeado desde los mass media porqué una artista no debería conceptualizar esa crítica exponiendo su propio cuerpo, su " res" para escandalizar y para provocar un llamado de atención, una reflexión sobre ese objeto de deseo transformado en producto de mercado.

Crítica al poder, a la represión, el arte de Liliana Maresca cuestiona el poder, el político,económico, cultural,todo tipo de dominación y de colonización.Se anticipa a advertir las consecuencias terribles del menemismo en lo social.

Cartoneros, venta de cuerpo ( el suyo con teléfono particular y todo), deshechos, petos, tubos,raíces...Si es de la calle, y está vencido, si está roto y desvencijado mejor.Como una cartonera Maresca busca el objeto, a veces se lo regalan y ella los transforma, transmuta.

Obras:pinturas, objetos, escenografías, esculturas, instalaciones, happenings,performances y fotoperformaces, como también la organización de eventos multidisciplinarios como La Kermesse,La conquista, "Maresca se entrega todo destino ", etc.

Una de sus instalaciones fue "Imagen Pública-Altas esferas" ,en 1993, donde se pasa revista a personajes políticos y del espectáculo que gravitaron en la Argentina de aquellos años.

Tiene grandes colaboradores y amigos en el arte: mucha de las fotografías eran de Marcos López, era amiga de Alejandro Kuropatwa, de Marcia Schwartz,Alberto Laiseca,Enrique Symms, etc.Años de reviente, de drogas, de intercambio sexual y de agujas hipodérmicas, de gran creatividad y desborde. Locura, sida, locura, hiperactividad, necesidad de expresarse.

Hay que decir que la etapa post dictadura fue una época de "destape" feliz, de libertad de expresión, de renovación estética, de mucha vanguardia y en que Liliana Maresca se sintió como pez en el agua, su reconocimiento fue tardío, igual no es una artista de masas, sino para espíritus no convencionales.

Como ella se decía " la ávida " , creo que ahora , en este mismo instante Maresca se traga al Universo, le hace el amor y lo convierte como alquimista genial en objeto de confrontación y debate.

Liliana Maresca muere , en 1994.


Exposiciones/muestras de la artista fuera del país (después de 1994):

Entre otras:

Galería Espaivisor, Valencia, España (2016)

"Un'identitá multiforme " Galeria Spazio Nuovo, Roma,Italia (2012)

sábado, 29 de marzo de 2014

Joseph Beuys, en la búsqueda de una humanidad más sensible


Hay que celebrar la movida artística en estos días, en Fundación PROA, la retrospectiva del genial artista alemán, Joseph Beuys. Profundamente vanguardista exasperante búsqueda de llamar la atención sobre nuestras vidas y de como estábamos llevando esa vida. Tenía un concepto democrático del arte para él " todo ser humano es un artista y cada acción, una obra de arte"( información tomada de Deutsche Welle). ¿ Acaso el arte tiene que ver con la vida misma de la persona ? y no con un sentido elitista del arte concebido para unos elegidos o para unos pocos. Escultor estudió en la Kunstakademie de Düsseldorf. Raro, su rostro mismo es complejo. Cavernoso, cavado, profundo. Esos ojos bellísimos y que miran un mundo que pretende descodificar. Y que le duele. Y esa sonrisa magnífica y definitiva.Su vestimenta es simbólica: un chaleco para conservar el calor y el amor.Un sombrero para no dejar escapar las ideas.Este hombre "gris" muy misterioso lanzaba al mundo del arte llamaradas como el uso de materiales que no solían usar entonces: grasa, fieltro. La grasa y el fieltro tenían una historia, formaban parte de su vida: era piloto y su avión cae en territorio tártaro y estos curan sus heridas con grasa y lo envuelven en fieltro. Cuando visualizo esta escena en mi cabeza pienso en un renacimiento, en un despertar de la conciencia del artista. Una de sus acciones más conocidas es encerrado en un fieltro y conviviendo con un coyote durante un par de días. Esta representación de arte llamada "Coyote, I like America and America likes me " era para ir en contra de Estados Unidos y su política belicista y para ilustrar la convivencia que debiera darse entre la Naturaleza y las personas. EL arte como ciencia de la libertad, el arte liberador de la creatividad de cada persona. El rescate de los orígenes, de lo primordial, de los nativos y de la libertad del ser americano antes de la llegada de los colonizadores. La catarsis logra la convivencia de los aparentemente opuestos (civilización-salvajes) y saca el trauma, la culpabilidad. El arte cura. Magia, chamanismo, alquimia, ciencia, rituales, liberación del ser primitivo, variadas técnicas (happening, perfomance, etc). Uso de la miel, del chocolate otros de los materiales que utilizó todo esto le servía para expresar su disconformidad con su tiempo. Y para expresar la idea de calor que tenía que ver con la vida y el amor. Influencias: el idealismo alemán, Novalis, Nietzche, HÖlderlin,etc. Y otros pensadores como Rudolf Steiner, Marcel Duchamp,etc. La obra de Beuys está atravesada fuertemente por lo antropológico y lo espiritual. Sorprendía con sus instalaciones extrañas y con sus conceptos, teorías acerca del arte, de la política, la energía, la electricidad. En 1979 se presenta como candidato del Partido Verde para el Parlamento Europeo. Esta página se embellece con la presencia de este artista único. No lo conocía pero ni de nombre. Me entero por el diario "La Nación" de esta muestra y me hizo investigar acercar de este " chamán de la cultura ". Quedé deslumbrada por este artista de primera. ¡Impresionante !. Unas 110 obras del artista ( su producción artística desde 1955 a 1985)en Fundación Proa, hasta junio del 2014.Los curadores de la exhibición son Silke Thomas y Rafael Raddi.