La comedia es fugaz..., Buster Keaton

"La comedia es fugaz; hay que producir el primer efecto en el momento preciso, dar luego al público el tiempo de reponerse y apretar a fondo o seguirla progresión según los casos. En ese ritmo hay algo de precisión matemática, porque es de la mayor importancia que el público sienta toda la fuerza del incidente cómico y pueda esperar la carcajada sin la menor impresión de aburrimiento. Este ritmo es una ciencia, cuya importancia es totalmente evidente para el director".



Buster Keaton

Andrea Mantegna y los Gonzaga

Obra: The house of the Ludovico Gonzaga by Andrea Mantegna


Andrea Mantegna, artista del Renacimiento Italiano trabajará prácticamente toda su vida bajo el mecenazgo de la familia Gonzaga. Los Gonzaga eran poderosos en Mantua. En 1456, el marqués de Ludovico Gonzaga le pidió que acudiese a Mantua, y hasta allí se desplazó en 1458. No sólo trabajó para Ludovico Gonzaga sino también para los hijos Francesco y Federico Gonzaga y su esposa Isabella D' Este.


La obra mencionada en el post forma parte de la Cámara de los esposos o Camera Picta. Obra que Ludovico Gonzaga encarga a Mantegna. Es una autocelebración de su familia, la distinción, cierto distanciamiento en las figuras que hablan de su status social. Después de la muerte de Pisanello, Gonzaga elige a Mantegna porque tenía conocimientos de la pintura más antigua, romana especialmente. Hay algo ahí que habla de que Gonzaga a lo mejor se sentía como un emperador.O quería que se asociara con este estilo de pintura como que este Principado era una continuación de aquellos días romanos. Refinamiento y cotidianeidad. En la pintura se ve al duque Ludovico hablando a su hijo, el cardenal Francesco Gonzaga.


El poder, la familia pero cualquier familia sino una muy poderosa. La exaltación regia por encargo. La obra habla de un gran manejo de la perspectiva y a su vez lo que decíamos los perfiles de los personajes están trabajados al estilo romano, al estilo clásico. Cierto hieratismo, rigidez , un estilo más bien pétreo. Una bella obra de arte.

Análisis de " El ángel caído " de Alexander Cabanel

El ángel caído de Alexander Cabanel es una de las pinturas más interesantes y bellas que hay. La mirada del ángel en que se refleja todo el odio posible que uno pueda encontrar en una mirada. Mirada de rencor y de ira también. Pintura de 1868.


El ángel caído es alguien que ha sido perfecto pero ya no lo es. Ha perdido. "Ha perdido sus alas " ahora es algo común. Ha caído en desgracia. Haber perdido la perfección es volverse algo de menor cuantía. Ser imperfecto es toda una catástrofe para quien se considera a sí mismo lo mejor de lo mejor. No pertenece al Cielo, lo han echado de ahí.


Se nota que es bello, muy bello. Es musculoso.Se lo describe en la Biblia como muy inteligente, demasiado.Soberbio y orgulloso. Cabanel con una estética manierista describe de manera puntual todo eso que digo. Una acentuada perfección en la anatomía. El trabajo de la luz en los cielos por ejemplo donde se ve la legión de ángeles buenos.Arriba ellos y abajo la figura de Lucifer en tierra o en el abismo.



¿ Quién es el ángel caído ? Es Lucifer y ¿ A quién odia ?. A su creador, a Dios. Quiso competir con él, rivalizó y perdió. Complotó contra él y cayó. El arcángel San Miguel derrota a él y sus secuaces dice la Biblia en el Apocalipsis. Lucifer que significa "El que da la luz ", "El portador de luz " pierde eso y nada menos que su luz.


Lo que resalto , que me fascina es la parte de la mirada del ex ángel en la que llora pero a la vez contiene el dolor de perder (acordarse que es soberbio) pero también el odio a quien lo derrotó que es superior a él. Y lo fue siempre. O sea Dios. Esa mirada da miedo. De ahora en adelante "el lucero de la mañana " decae como tal y se convierte en el Jefe de los demonios, rey del Infierno.






Cabanel con su técnica prefigura el romanticismo, es academicista y posee influencia de los clásicos italianos pero también de Jean-Auguste-Dominique Ingres . Tuvo críticas por sus pinturas, en ese momento querían algo más realista, naturalista que se fijara en lo social. El artista fue maestro de entre otros: Jean-Joseph Benjamin-Constant,Charles Fouqueray, Aristide Maillol, Eugène Carrière...

Actualmente está obra está en exhibición en el Museo Fabre, en Montpellier Francia.

Anton Mauve (1838-1888)

Podríamos decir que gracias a Anton Mauve tuvimos al gran Vincent Van Gogh. No sería justo ni para Van Gogh ni para su maestro, el Sr. Mauve. Anton Rudolf Mauve nace en 1838 en Zaandam (Países Bajos )Muere en 1888 en Arnhem (también Paises Bajos).


Cuando se habla de Anton Mauve se dice que pertenece al Realismo holandés.



Una de las obras que me gusta del pintor es "Paseo de la mañana en la playa " (ver ilustración del post), una elegancia, una serenidad a su vez con un destello de melancolía eso para resumir esa obra. Qué belleza. Cuánta armonía y vuelo.La que me llamó la atención hoy es "Pastora con un rebaño de ovejas " a mí que me gusta lo rural, encantada. La obra de Mauve se caracteriza en general por esas pinceladas sobre el mundo rural, la presencia del mar, la elegancia de sus figuras sin quitar un ápice de su realismo.Más cerca aún del naturalismo en algunos de sus cuadros.



Más que leer sobre Mauve hay que ver su arte, acercarse a su estilo en búsqueda de retratar la Naturaleza, los animales, los pastores, la pintura al aire libre. Anton Mauve se instruye en sus primeros años con los pintores de Oosterbeek. Entonces se empieza a hacer conocido en los círculos del grupo de la Escuela de La Haya.Mucho antes de pequeño aprende dibujo con el pintor de animales Pieter van Os, y de Wouterus Verschuur también pintor de lo rural. También influyó en su pintura la obra de Camille Corot, paisajista. Corot, uno de los grandes paisajistas de la Escuela de Barbizon. Debido a esta influencia se decía que Mauve formaba parte de la Escuela de Barbizon holandesa.



Nota: Se casó con una prima de Vincent Van Gogh. Mauve siempre contó con la admiración y el agradecimiento de Van Gogh por haber sido su maestro.

La fotografía es un secreto de un secreto..., Diane Arbus

La fotografía es un secreto de un secreto.Cuánto más te dice menos sabes.

Si sólo me motivara la curiosidad, costaría decirle a alguien: ‘Quiero ir a su casa para que me hable y me cuente la historia de su vida’. La gente diría: ‘Está chiflada’. Más aún, se pondría en guardia. Pero la cámara es una especie de licencia. Mucha gente quiere que se le preste tanta atención, y además es una clase de atención razonable”.


Diane Arbus

Sólo la realidad puede despertar el ojo..., Alberto Giacometti

"Seule la réalité est capable de réveiller l’œil, de l’arracher à son rêve solitaire, à sa vision, pour le contraindre à l’acte conscient de voir, au regard".




"Sólo la realidad puede despertar el ojo, arrancarlo de su sueño solitario, su visión, para restringirlo al acto consciente de ver".



Alberto Giacometti

Film "Parasite " de Bong Joon-ho

" Parasite" es una película dirigida por Bong Joon-ho, el director de Okja, de The Host entre otras grandes películas del director que recuerdo. Es un film del año 2019.


Guion
Kim Dae-hwan, Bong Joon-ho, Jin Won Han

Tanto Gi Taek (Song Kang Ho) como su familia están sin trabajo. Cuando su hijo mayor, Gi Woo (Choi Woo Shik), empieza a dar clases particulares en casa de Park (Lee Sun Gyun), las dos familias, que tienen mucho en común pese a pertenecer a dos mundos totalmente distintos, comienzan una interrelación de resultados impresivibles. (FILMAFFINITY)


Música
Jaeil Jung

Fotografía
Kyung-Pyo Hong

Reparto
Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam



"Parasite " constituye un trabajo del director Bong Joon-ho realizado con humor negro más terror más feroz crítica social.Un mix potente y esclarecedor. El humor de a ratos permite tomar aire, respirar de tremendas diferencias sociales.



El espacio: dos casas disímiles. la pobreza muy de subsuelo reflejada en uno de sus espacios cargada con insectos, fumigaciones, gente que viene a orinar cerca...Un espacio limitado, desordenado, sucio, poco saludable. Y el otro (que a su su vez está dividido en dos) una casa diseñada por un gran arquitecto coreano, un espacio amplio, generoso acompañado de un gran y espacioso jardín. Como decía éste último está dividido en dos, escaleras arriba y escaleras abajo, el sótano tétrico en el cual van a pasar demasiadas cosas. Las casas de las dos familias protagonistas del film son un reflejo de las dos Corea del Sur. Una paupérrima y la otra tecnológica y muy próspera.


El título: Parasite o sea parásito. Según la Real Academia Española (una de sus acepciones) parásito es aquel que "Que vive a costa de otro de distinta especie , alimentándose de él y depauperándolo sin llegar a matarlo". La familia de Kevin serían los parásitos, los que vivirían de la familia rica que los contrata. Una familia muy sumida en la pobreza y en la falta de trabajo , sobreviven armando cajas de pizza, que está acostumbrada a aprovecharse de los más beneficiados por ej. toman la señal de wifi gratis aprovechando la de los vecinos. Se es parásito ¿ por voluntad propia ? o porque el Gobierno no se preocupa de crear mejores horizontes para su población y me refiero a creación de empleos y demás.


El olor de la gente que viaja en el metro: eso dice el Sr. Park de Gi Taek, su empleado. Ese olor a humedad, a jabón barato, a encierro o vaya a saber que es es la frontera entre las clases altas y bajas. El Sr. Park rechaza ese olor, no quiere que pase el límite. es amable pero no sensible, paga bien pero no desea de ninguna manera que esa frontera, ese límite del cual tanto habla sea transgredido por ninguno de sus empleados. Éstos deben guardar su lugar para eso les paga bien.La clase alta tolera a los otros no los maltrata pero tampoco permite "subir las escaleras "


Lo que queda flotando luego del visionado del film es y si subieran las escaleras los de abajo qué ??.Sería todo tan terrorífico ??, injusto ??. Justo ??. Si esos parásitos, polizones,intrusos al fin fueran la gente, los dueños de casa ??.


Ya veremos en el film eso de "subir las escaleras "


La película te sorprende, te hace pensar muchísimo. No me enloquece pero queda claro que es un film de suma importancia para entender la injusticia de toda un sistema. De que todo va y viene. Que hay necesidades que hay que cubrir y subsanar y que sino todo eso, toda esa injusticia terminará explotando de alguna manera, saliendo a la luz. La visibilización de la pobreza ya hace rato fue ojo queda la toma de poder.


Song Kan-ho es la estrella del universo cinematográfico de Bong Joon-ho. Nunca me olvido de su rol en Memorias de un asesino del mismo director. Un grande sin dudas, aquí como el pater familias , el que se pone al hombro la culpa, lo parasitario de la familia.Muy interesante actuación.


Se habla en todo el film de "tener un plan", todos tiene un plan en la familia Taek , todos quieren sobrevivir, hay que hacer lo que sea para alejarse de la miseria.


Premios
2019: Festival de Cannes: Palma de Oro al Mejor largometraje




Recomendada.

Mi pasión nunca ha sido..., Henri Cartier-Bresson

"Mi pasión nunca ha sido la fotografía en sí, sino la posibilidad (olvidándose de uno mismo) de grabar en una fracción de segundo la emoción que provoca el sujeto y la belleza de la forma: una geometría surgida de lo que se nos presenta".

Henri Cartier-Bresson

(fotografía de Cartier-Bresson by Artnet)

Análisis Obra de Leonardo Da Vinci sobre Juan el Bautista

Juan Bautista señala el Cielo, apunta su dedo hacia arriba.LO hace de modo convincente. Está seguro que es así.Es un muy bello Juan Bautista


Dice Wikipedia que esta obra "es uno de los últimos cuadros del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci, datado hacia 1508-1513, época en que el Alto Renacimiento estaba metamorfoseándose en el Manierismo. Está pintado al óleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y 57 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de Paris" (Francia).

Esa sonrisa enigmática en el rostro de Juan El Bautista lo emparenta con otra sonrisa, la de la Gioconda.Esa sonrisa es irónica, es ambigua.

Tiene rizos en su cabello.Retratado en medio cuerpo.Es una figura entre femenina y masculina. Más femenina que masculina.Viste pieles y tiene una cruz hecha de junco.


"La enigmática sonrisa del profeta apunta, igual que su dedo, a la cruz que sostiene en alto. La intensidad personal de la figura, aislada mediante el foco de luz contra las sombras, lo dota de un atractivo singular que imitarán poco después los artistas del Barroco, como Caravaggio o Zurbarán. Casi por única vez en la obra de Leonardo, un fondo uniformemente oscuro ha sustituido a los proverbiales paisajes del maestro".Dice://isthar-mitologia.blogspot.com/


Según el presidente del Comité, Silvano Vinceti, la decisión de usar a “El Salai” como modelo representó un acto de crítica y una acusación contra la corrupción y degradación de la Iglesia Católica y su comunidad de seguidores.El Comité Nacional para la Valorización de Bienes Históricos, Culturales y Ambientales de Italia descubrió que el artista, Leonardo Da Vinci, utilizó a su discípulo preferido, Gian Giacomo Caprotti, también conocido como “El Salai”, como modelo para realizar el retrato de San Juan Bautista.

La obra fue hecha con la técnica del sfumato que permite crear un efecto vaporoso,nebuloso .El cuadro fue realizado con una paleta de colores muy reducida.

"Es el cuadro con más barniz de la colección del Louvre, tanto que su resultado ha sido que con el paso del tiempo se obscurezca a tal punto que, la cruz que lleva y la piel del animal con la que San Juan Bautista está vestido son prácticamente invisibles a los ojos. El restaurado consistirá en “aligerar” las 110 micras de barniz para poder devolverle legibilidad a la pintura.según "https://www.arteallimite.com


No es la primera vez que Leonardo Da Vinci pinta a Juan el Bautista, predilección, devoción ??, vaya a saber. Es un tema para descifrar y escribir.










L

No basta cambiar el mundo..., Herbert Read

"No basta cambiar el mundo, en el sentido de modificar el sistema económico existente;

es menester reconstruir la psiquis fragmentada,

cosa que sólo puede lograrse mediante la terapia creadora que llamamos arte"



Herbert Read

Con la venida del Renacimiento..., Arnold Hauser

"Con la venida del Renacimiento se realiza un cambio sólo en el sentido de que el simbolismo metafísico se debilita y el propósito del artista se reduce de manera cada vez más resuelta y consciente a la representación del mundo sensible. A medida que la sociedad y la economía se liberan de las cadenas de la doctrina de la Iglesia, el arte se vuelve también con rapidez progresiva hacia la realidad. Pero el naturalismo no es una novedad del Renacimiento, como no lo es tampoco la economía de lucro.

El individualismo del Renacimiento fue nuevo solamente como programa consciente, como instrumento de lucha y como grito de guerra, pero no como fenómeno."


Arnold Hauser de "Historia social de la Literatura y el Arte "

Obra:Lorenzo el Magnífico por Benozzo Gozzoli

Análisis de la obra "La pesadilla " de Henry Fuseli

Hay pinturas, relatos que dan miedito y MIEDO. La obra " La pesadilla " de Henry Fuseli te da pavor. Y a la vez aporta misterio, preguntas. Johann Heinrich Füssli es el verdadero nombre del pintor. Era de origen suizo pero para que resultara más fácil su nombre en Inglaterra, donde vivió, le pusieron Henry Fuseli. Esta obra de Fuseli tuvo varias versiones. El pintor, su estilo, sus temas relacionados con lo oscuro, lo demoníaco, el mal, etc. fueron inspiración para los surrealistas y su búsqueda con el tema de los sueños y el inconsciente.



Siempre ante el misterio hay preguntas, hay interrogantes. No siempre tienen respuestas. Toda pesadilla es fuerte, potente y creemos que no podemos salir de ella hasta que nos despertamos.


Un íncubo según Wikipedia "... (del latín Incubus, in, 'sobre' y cubare, 'yacer', 'acostarse') es un demonio, en la creencia y mitología popular europea de la Edad Media que se supone se posa encima de la víctima femenina durmiente, para tener relaciones sexuales con quien duerme..."


Decía que en el cuadro de Fuseli hay un íncubo posado sobre el cuerpo de una mujer que duerme. Una mujer que está totalmente dormida al punto que la mitad de su cuerpo cae sobre el costado de la cama. Un sueño profundo, la presencia del demonio es la señal que la mujer tiene una pesadilla. El demonio aparece en los sueños eróticos, en el tarot el demonio tiene que ver con la lascivia, la lujuria. Nuestra amiga del cuadro sueña con algo con connotaciones sexuales. Ella está totalmente entregada lo dice la postura corporal, el demonio nos mira con una jactancia ,con una seguridad, una robustez que parece decir "yo puedo sobre ella " parece decir. En la punta de la cama observamos un caballo feo, fantasmal, maléfico parece ciego que sin embargo parece contemplar la escena Es más agrego la mujer casi está muerta, el íncubo tipo vampiro le ha robado su ser. La mujer es uno de los prototipos de las mujeres románticas. No sé porqué me hizo acordar a Marguerite Gautier de "La dama de las camelias". Ese desvanecimiento casi de enferma o semi muerta.Es muy linda, se nota.


Es una obra muy teatral, muy decadente, romántica ver parte de los lineamientos románticos: la oscuridad, el terror, el misterio, lo gótico.


Decimos que ésto es lo que pasa en el sueño terrible/pesadilla de la mujer. Pero no sabemos totalmente que pasa ¿ Está exhausta ella ?. Cuando despertamos de un sueño lindo o pesadilla a veces es poco lo que nos acordamos. Y enseguida nos olvidamos. Dicen que inmediatamente de despertarnos hay que anotar lo que soñamos. Que los sueños lindos o pesadillas tienen significado. Los sueños que tenemos nos vienen a decir algo o reflejan nuestros terrores cotidianos.En las pesadillas nos sentimos mal, el pecho está como oprimido, respiramos mal, gritamos, nos movemos mucho, el corazón y el pulso están acelerados. Y además sentimos que no podemos movernos, que somos incapaces de escaparnos de eso que estamos "viviendo".

La mujer es el objeto de deseo del íncubo. La mujer real sería Anna Landoldt, sobrina del amigo de Fuseli, Johann Caspar Lavater.El pintor estaba muy enamorado de ella. En el reverso del cuadro figura una composición titulada Retrato de una mujer joven quien sería Anna.


Hay una contraposición de luz/oscuridad en el cuadro. Mientras tenés a la mujer que es la luz, el íncubo es oscuridad. Los ojos del caballo son diabólicos. Lo central es esa figura de mujer que acapara toda la luz del cuadro.

Esta obra de Fuseli también es conocida también como "El íncubo ", obra del año 1781.La inspiración del cuadro sería alguna de estas obras:Sueño de Hécuba de Giulio Romano o Sueño de Rafael, de Marcantonio Raimondi.


"Fuseli dijo que “una de las regiones más inexploradas del arte son los sueños y lo que puede denominarse la personificación de los sentimientos”. La pesadilla consagró a Fuseli como el pintor de lo extraño, lo sobrenatural y lo pasmoso. Corrían rumores de que consumía láudano o carne de cerdo crudo para cenar con el propósito de provocarse pesadillas." según EcuRed. https://www.ecured.cu


"Un Mare o Nightmare es un espíritu o duende en el folklore alemán que cabalga sobre el pecho de las personas mientras duermen, provocando malos sueños o pesadillas. El Mare es similar al Súcubo o al Incubo, y probablemente está inspirado por la parálisis del sueño." según Ares Cronida. https://arescronida.wordpress.com/


Mi interpretación es que como Fuseli no pudo realizar su sueño de amor con Anna Landoldt porque ella lo rechazó (ella ya estaba comprometida) la terminó poseyendo en el sueño como íncubo. El deseo no obtenido tiene ramificaciones raras y a veces oscuras.

Lewis Hine en el Centro Cultural Borges

Fotoperiodismo, fotógrafo social eso dicen del tipo de fotografía que hace Lewis Hine. Su exposición de fotos " Lewis Hine la fotografía como crítica social " está en el Centro Cultural Borges por lo menos durante este mes.Consultar.Va a haber dos visitas guiadas en el presente mes.


Hine retrata la vida de los inmigrantes que llegaban a Estados Unidos, a principios del siglo XX. El sueño americano a veces era durísimo de cumplir ya que las condiciones de trabajo no eran las mejores. Y en el caso de los niños ni que decir. Como el fotógrafo tomaba fotos in situ en fábricas, hilanderías, etc no era bienvenido por aquellos que les daban a sus trabajadores este tipo de trato laboral. Tuvo amenazas por exponer estas situaciones ilegales.


Nació en 1874, en el estado de Wisconsin. Fue sociólogo, maestro de Ciencias Sociales además de fotógrafo.Se volcó por la fotografía documental y junto a Jacob Agust Riis son los fotógrafos más importantes de este tipo de fotografías.Él mismo sabía del trabajo a temprana edad ya que había empezado a trabajar de pequeño ya que su padre había muerto cuando era muy chico.

Además fue fotógrafo para la Cruz Roja durante la Primera Guerra Mundial y se le encargó el reportaje sobre la construcción del Empire State Building, el edificio más alto del mundo en ese momento. Es muy conocido por estas fotos.


Lewis Hine no sólo se abocó a sacar fotos de esta cruda realidad sino que formó parte del Comité Nacional de Trabajo Infantil cuyo trabajo se vio reflejado en leyes para reglamentar y proteger el trabajo de los menores. Hine muere en 1940 y seguramente fue inspiración para las fotografías de Dorothea Lange y Walker Evans.

Realidad, dolor ante la situación de los trabajadores, de los pequeños obreros... Testimonio fuerte y bello de las injusticias.Cerca de 90 fotografías conforman esta muestra.La curadora de la muestra es Blanca María Monzón.


Centro Cultural Borges, Viamonte 525

Lo principal ...ser primeramente un individuo..., Paul Klee

“Lo principal no es comenzar a pintar precozmente, sino ser primeramente un individuo. El arte de dominar la vida es el requisito previo para todas las demás formas de expresión, ya sean pinturas, esculturas, tragedias, o composiciones musicales”.

Paul Klee


El post se ilustra con la obra del pintor Paul Klee

Hay pocos directores de los que usted..., Stanley Kubrick

Coincido bastante ( por ahí agregaría a Visconti y a Hanecke si me dejan)




"Hay pocos directores de los que usted debe ver todo lo que hicieron. Puse Fellini, Bergman y David Lean en la parte superior de mi primera lista y Truffaut en la parte superior del siguiente nivel".


Stanley Kubrick

Deborah Turbeville

(Fotografía de la artista by New York Times)












Los otros días estaba en Tumblr e hice reblog a una foto de Deborah Turbeville. Y me quedó picando esa imagen (la Belleza, el Arte nos puede) como para hablar de la fotógrafa en este blog. Turbeville une el arte de la fotografía con la moda. Y el foco lo pone en el contraste o en el desenfoque mismo. Lo que se espera de una foto fashion es todo el style, el lujo, clase...Pero Turbeville muestra las prendas y las modelos desde otros lugares o sitios menos glamorosos y por eso descoloca. Ahora es harto frecuente este tipo de sesiones fotográficas mix de moda y de extraños lugares o poses. Pero cuando la fotógrafa comenzó a usar este estilo no era común y por eso descolló porque hizo de sus fotografías todo un sello personal.


Sus modelos son como esas maniquies de vidriera, sin cuerpo casi, parecen muy frágiles, enfermas algunas. Muy pálidas. Y en general no son fotos alegres sino tristes, melancólicas. Fotografías a través de un vidrio, heladas postales de lo que es el mundo, la moda para esta artista.Siempre la consideraron la antítesis de lo que era en fotografía de moda su colega Helmut Newton. Si Newton era la chispa, lo erótico, la tensión, la líbido en primer plano, la vida enérgica , el polo opuesto es la visión de Turbeville.

Como fotógrafa de moda trabajó para importantes revistas dedicadas al tema como Vogue, Harper’s Bazaar, W Magazine y su arte mostró colecciones de los diseñadores Ungaro, Karl Lagerfeld, Comme des Garçons,Geoffrey Beene, etc. Hay que aclarar que lo de fotógrafa no le gustaba mucho sí ser editora. Tampoco le gustaba que le señalasen que sus fotografías eran románticas. Su experimentación la llevaba a tomar esas fotos que de a ratos parecen un sueño, algún fotograma...Turbeville fue admirada entre otros importantes fotógrafos por Richard Avedon por ejemplo.Entre los 70' y 80' el mundo quedó encantado y shockeado con su trabajo imperfecto, frío, casi fantasmal. Lirismo sí, mucha decadencia. No hay primavera, verano visible en sus fotos sí un interminable invierno, hay soledad, cansancio, ausencia en las poses y miradas de sus modelos. Hay hielo, silencio, oscuridad, grises, quietud, grandes espacios y no habituales para la fotografía de moda de entonces.


Mi impresión es que la fotógrafa devuelve el glamour del pasado, la sofisticación de la sombra, lo misterioso, el esplendor del ocaso y de la decadencia a sus primeros lugares. A mí que me gusta lo gótico, los lugares abandonados, el pasado estoy de 10 con sus fotos dotadas de magia y una sutil belleza. La belleza de un ópalo por ejemplo.


Turbeville nació en Boston, Massachusetts, 1932 y muere en octubre de 2013, en NY.

Muestra de William Turner en Buenos Aires

William Turner (1775-1851) el pintor inglés, para mí uno de los maestros sabios en el manejo de la luz. Eso te queda claro apenas ves una obra del citado artista. Y los navíos y el mar. La potencia del mar.Belleza de obra sin dudas.

Turner tiene ahora su muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes (Av. del Libertador 1473).La exposición se llama "J. M. W. Turner. Acuarelas", que reúne, por primera vez en la Argentina, 85 acuarelas del gran pintor inglés, pertenecientes a la Tate Collection. Las piezas de esta muestra, que cuenta con la curaduría de David Blayney Brown (de la Tate), comprenden obras en papel y cuadernos de bocetos. afirma , curador de la muestra.



A Turner se le considera como uno de los fundadores de la pintura paisajística inglesa a acuarela.El artista es considerado el pintor más importante de la historia de Gran Bretaña.Si bien muchos de los grandes pintores pasaron por épocas económicas difíciles (y se los reconoció como importantes luego de su muerte) lo de Turner no fue así fue un artista valorado en vida y su obra tuvo éxito comercial.Pintor embarcado plenamente en el romanticismo y prefiguró el impresionismo. En sus acuarelas expone la fuerza de la Naturaleza sobre la vida de los hombres. En general son obras que generan impacto visual por que en sus paisajes se enfoca en tormentas, cielos alborotados, mar encrespado.También pintó los inicios de la industrialización de su país.En su última etapa como pintor le da más importancia al uso de colores en su obra y una concepción más serena de la Naturaleza desembocando en paisajes donde predominan amaneceres y atardeceres soñados y multicoloridos. Efectos en el agua que pinta.El sol que sale , que huye en el horizonte y esa luz tan única, tan Turner.


La exhibición de las acuarelas de Turner podrán verse hasta el 17 de febrero de 2019 en el MNBA, Av. del Libertador 1473.

Análisis de la obra de Salvador Dalí " La persistencia de la memoria "

Hoy analizo la obra del pintor Salvador Dalí. Es una pintura del año 1931. Dalí siempre es asociado con lo onírico, con lo surrealista. Lo surrealista abre un abanico de interpretaciones porque es un modo de ver la realidad. Hay muchos símbolos en este cuadro. Veamos algunos:


Si hablamos de memoria hablamos de Tiempo y esto está referido en los relojes, relojes curvados, ondulantes,uno que cuelga sobre un árbol seco.Al árbol también le pasó el Tiempo, no es flamante está casi yermo, ni siquiera entero, terminándose. Otro reloj tiene un montón de hormigas sobre él.Es un reloj diferente a los otros no se ve la delantera del reloj sino la parte de abajo.Hay otro reloj que también cuelga pero sobre una mesa, una tarima quizás. El mismo reloj que cuelga sobre el árbol seco , reloj ondulado, flexible, tiene vida el reloj, cae en parte sobre la madera.El último reloj está sobre un cuerpo que no llega a ser cuerpo.Como el árbol el cuerpo, la criatura representada no es completa. El reloj que cuelga sobre el cuerpo prácticamente lo abraza , en una señal de que no nos podemos despegar del Tiempo, estamos unidos, en todo hay Tiempo. No hay escape posible.El cuerpo (Quizás una representación de Dalí) está en partes, sobresalen las pestañas largas. El Tiempo desintegra los cuerpos ??. También los cuerpos al igual que los relojes se ablandan, desfiguran, deshacen por la acción del Tiempo ??


Esos relojes curvos van derritiéndose, excepto uno, el de las hormigas.


Las hormigas( a Dalí no le gustan las hormigas) habla también de descomposición, de algo que se pudre.


El lugar donde se desarrolla todo ésto es una playa, una cierta playa (muy repetida en la obra del pintor) inspirada en su Cadaqués natal. Una cala, una playa luminosa, belleza de mar, de luz. Pero donde yacen todos los relojes es oscuro, es la parte continental y es contrastante con la playa y el mar. Bastante oscura.



El surrealismo remite al inconsciente, juega con los sueños, con una visión especial de las cosas. La libertad creativa es enorme.


La inspiración: Dalí habla de los quesos Camembert, un queso que es blando y como todo queso blando tiende a derretirse. El cuadro de Dalí también fue llamado "Los relojes derretidos " o "Los relojes blandos". La otra inspiración fue algo menos apetitoso la Teoría de la Relatividad de Albert Einstein. El artista se inclinaba por la ciencia y quizás el significado tenga que ver con eso relativo del Tiempo. Somos materia y energía pero todo eso está delimitado, influenciado, manejado por el Tiempo.


La persistencia de la memoria: El título alude a la capacidad de la mente de insistir en lo que fue (la memoria habla de un pasado). Queda fijado en nosotros lo que vivimos, no todo el tiempo pero sí es cierto que va y viene. Interrumpe nuestro presente el pasado sea como un buen recuerdo o una mala experiencia. No se borra todo algo queda. O queda mucho o insistimos mucho ya sea que queremos que quede o que se vayan los recuerdos. Hay gente que se aferra más al pasado otros prefieren seguir.De todas maneras querramos o no, la memoria nos volverá a traer lo vivido.El Tiempo es relativo, la Memoria fragmenta, somos Tiempo o sea somos memoria también.


Para analizar esta obra (pequeña pintura de apenas 24 x 33 cm )hay que jugar con la imaginación no utilizar la lógica. Lo racional no cabe porque lo que se ve no es tal cual sino un pensamiento del autor sobre el Tiempo.


La obra se encuentra en exposición en el MOMA, Nueva York.

Buda, a propósito de una pintura de Odilon Redon

Odilon Redon a quien debo un post (lo estoy preparando ) es un pintor magnífico sin dudas. Veo en sus pinturas sólo belleza y trascendencia.En esta pintura del Buda me remito a su orientalismo. Toda la luz, los colores perfectos de Redon para ver en perspectiva al Buda.



Buda es la Iluminación,el Despertar. La sacralidad pero no vista desde el punto de vista de lo inaccesible sino desde la profunda humanidad. Desde lo interior pero viviendo en lo simple y cotidiano.Es en lo simple y cotidiano donde está el esplendor de Buda, el Despierto.


Los ropajes pueden ser esplendorosos o simples. Gente común puede trascender porque lo extraordinario siempre está adentro. No afuera. El afuera es un sueño que se liquida hoy. El adentro es la verdadera vida. Despertar del sueño y tomar la vida en su conjunto, en su totalidad, con sus lastres, con sus miserias, con toda la alegría y todo el dolor.



La serenidad deviene de haber pasado por la ira, la fragilidad,el miedo, la inconstancia... Lo imperturbable del rostro del Buda es haber sido testigo de todo el mal, de toda la fiesta y que nada de eso te mueva del objetivo inicial, despertar.


La fragilidad de todos los instantes, la Tierra, las criaturas, una de las cuales, el más débil, el hombre. Azotado por la codicia, la lujuria,el egoísmo, la violencia, el materialismo.


Buda, el maestro en tomar en sí todos los sufrimientos en sí y desvanecerlos. Todo hombre puede ser un Buda. La inmensa generosidad, bondad, compasión por todo sufrimiento, por toda pena, por
toda lágrima.


La enseñanza budista es la no enseñanza, no soy Maestro.Soy todos los maestros y ninguno.El Silencio se impone a toda charlatanería, ruido vano. El Silencio es la respuesta a un mundo de sombras y tibiezas. El Silencio es el camino de rigor para todo Despertar. La melodía es el alma que canta en todo su esplendor.


Amad, perdonad, compadeced y seréis Uno. La síntesis de toda enseñanza budista es el Amor.Todo ser viviente es digno de compasión y luz.

Dorothea Lange en Centro Cultural Borges

En el Centro Cultural Borges se encuentra actualmente una exposición de fotografías de Dorothea Lange ,fotógrafa y periodista norteamericana. Lange nació en Hoboken,en el estado de New Jersey en 1895.Estudió fotografía en la Clarence H. White School en New York.


Dorothea Lange en un comienzo como fotógrafa tomaba sus fotos en estudio pero se decide (por suerte para nosotros) a salir e ir por ahí a captar lo cotidiano, la gente en la calle.La fotografía de Lange aborda la pobreza durante el crack financiero de 1929.Registró este declive del país en 22 estados del mismo.


En sus fotografías hay un excelente retrato social ,gente que sufre se nota en sus rostros.Pero que sin embargo esa pobreza tiene una cierta dignidad. También cierta incertidumbre eso también se nota. Estamos en época de la Gran Depresión, hay gente que quedó en la calle literalmente, que se volvieron mendigos. Otros que van por todo Estados Unidos tras las cosechas. Viven en tiendas, padecen hambre, apenas alguna frazada. Son excelentes sus retratos,nos permite darnos idea de lo que pasaba en esa época. A pesar de la situación en que viven los desempleados, campesinos...hay coraje para salir adelante. Es gente que se niega a rendirse. Es cierto que no se elige a los más pobres aún: los negros y nativos. No. Sólo descendientes de europeos.La gente enseguida tiene empatía con estos rostros desconocidos, se solidariza con esta pobreza. Lange hizo estos retratos a pedido de la Farm Security Administration. Luego en los años cincuenta colaboró con la revista Life y más tarde como fotógrafa independiente siguió con sus fotografías tomándolas en Asia, Sudamérica y Medio Oriente.


Dorothea Lange recogió también en su obra las impresionantes escenas de las detenciones de americanos de origen japonés en los inicios de la guerra del Pacífico.


Fue la primer fotógrafa en recibir la beca Guggenheim en 1941.A Lange se la considera como una de las precursoras del documentalismo social.


La muestra se titula “Dorothea Lange: la fotografía como testigo incuestionable”. Está curada por Blanca Monzón. Un centenar de imágenes de testimonios, La muestra puede visitarse en el Centro Cultural Borges, Viamonte y San Martín, CABA, de lunes a sábados de 10.00 a 21.00 y los domingos de 12.00 a 21.00. Pueden ver esta exposición hasta el 30 de agosto.


Murió en 1965.